Todo está repleto de relojes. Hugo y su padre leían a Julio
Verne, autor que también mencionará el librero y al que adaptó el propio Méliès
en “20.000 leguas de viaje submarino”. Otro hacedor de sueños.
Hugo comparará el propósito de las máquinas con el de las
personas, todos tienen uno. Ese es el motivo por el que las arregla, le pone
triste que no funcionen, aplicará lo mismo, por tanto, a las personas. El
redentor. Arreglar, reparar, redimir…
Es en este momento cuando volveremos a ver los planos
generales sobre París, el mundo como un mecanismo dice Hugo, con lo que
cobrarán todo su sentido los planos iniciales.
El sueño o la pesadilla de Hugo contendrá relojes y trenes,
como no podía ser de otra manera, un presagio de que su destino se acerca, un
destino que teme porque no sabe lo que le deparará, así si vimos trenes
recorrer las vías por encima, por debajo y a lo lejos de Hugo, en su sueño uno
lo atropellará. Pero no es un simple sueño, es un sueño dentro de un sueño, en
el segundo lo veremos convertirse en el autómata, necesitado de reparación y a
la vez reparador del destino de los demás.
Christopher Nolan en “Origen” (2010) ya se introdujo en el
mundo de los sueños, de los sueños dentro de los sueños y los vinculó con el cine
y la ficción, pero en un lenguaje codificado.
Esa constante vinculación entre vida, sueños, memoria,
recuerdos, ficción y cine, y la idea de éste último como redentor no sólo está
desde el guión, también lo vemos en la puesta en escena. Así veremos como el
escritor fan de Méliès quedará fascinado con el modo en que se crean los sueños
haciendo películas, como le dice el propio director; Hugo e Isabelle mirarán
igualmente fascinados esa magia creada que sale de un proyector en el cine en
el que se cuelan (Isabelle por tanto vive una aventura, su mayor deseo), la
misma mirada que tienen junto a “Mamá Jeanne” cuando ven “Viaje a la
Luna” (superando los miedos y frustraciones tras el visionado); Méliès sentirá
lo mismo la primera vez que ve el cinematógrafo; Hugo rememorará lo que le
contó su padre sobre su primera experiencia viendo una película, “Viaje a la
Luna” de nuevo… miradas fascinadas, soñadoras…
Hugo da cuerda a los relojes, y a las personas, la profesión
se convierte en metáfora, todos necesitamos que nos den cuerda de una forma u
otra. Todo ejemplificado en el autómata.
Los chicos y Tabard irán a ver a la familia Méliès y tras
discutir un poco y rememorar el pasado “Mamá Jeanne” accederá a ver la única
película que, en teoría, se conserva de su marido, donde ella participa como
actriz. “Viaje a la luna” (1902).
Pocas veces ha sido tan emocionante una proyección como la
que vemos en casa de los Méliès. Manual, donde el arte, el pasado, los
orígenes, el respeto, el amor, los recuerdos y la emoción se funden en las
miradas de las 4 personas que ven la película.
Méliès nos contará su pasado como mago, la construcción de su propia cámara, como quedó fascinado por el invento de los Lumière, aunque
estos pensaban que no era más que una moda pasajera. Veremos al fascinador
fascinado, al mago hechizado. Lumiére no fue un visionario con respecto al
futuro del cine, D. W. Griffith tampoco, pensó que en las películas jamás se
hablaría.
George Méliès relatará cómo después de la guerra dejó de
interesar su arte y su frustración. Todo un ejercicio de metacine totalmente
disparado y rubricado con el cameo del propio Martin Scorsese como fotógrafo.
El montaje es la magia del cine, como bien muestra Nolan
también en su soberbia “Origen”, es la posibilidad y el mecanismo de los
sueños. Extraordinaria la escena donde vemos como el montaje produce una escena
mágica.
La cima, el éxito, el celuloide inmortal convertido en
tacones de zapatos o botas militares, los decorados de los sueños derruidos en
una pesadilla. El signo de los tiempos.
Georges Méliès aceptará su pasado, renunciará a olvidarlo y
se redimirá gracias a Hugo.
El policía no cejará en su persecución a Hugo, este se
escapará y dará lugar a una de las escenas más impactantes visualmente, con
Hugo colgando del reloj de la estación para ocultarse de los dos sabuesos y
recordando de paso a Harold Lloyd en la película que vio. Una vez más Scorsese
vincula la ficción de lo que vio en el cine con la vida usando lo que vio de
manera práctica. Pura magia constante.
Al final de esta persecución la pesadilla de Hugo casi se
hará realidad al intentar rescatar al autómata de las vías del tren, al caer éste allí en un
forcejeo con el policía. Un tren se acerca a toda velocidad dispuesto a pasarle
por encima pero será el propio policía quien lo rescate. Cine, sueños y vida,
siempre unidos como veis. El destino ha llegado, el tren parará al lado de Hugo.
El homenaje al gran Georges Méliès, la recuperación de
muchas de sus películas que se creían perdidas, nos deja otro momento de
desbordante emoción. Cuando Méliès da las gracias por la “reparación” que Hugo
le ha hecho y el gesto cada vez más emocionado y avergonzado del chico, que en
esta escena está sencillamente magistral. Luego tendremos otro ejemplo de
metacine cuando el Méliès interpretado por Ben Kingsley se convierte en el Méliès
real en un mismo plano.
El cine como redentor. Como se aprecia “La invención de
Hugo” encaja perfectamente con los temas más personales de Scorsese.
La mirada emocionada de Méliès en su homenaje es la del
orgullo ante su obra, el orgullo que debemos intentar sentir todos ante
nuestras obras, artísticas o vitales.
Arreglar. Reparar. Redención.
“La invención de Hugo” está tan desbordante de creatividad y
magia como el cine de Méliès. Pura imaginación.
El plano secuencia final redondea la película,
estilísticamente se podría decir que le da forma circular al empezar ésta con
un plano secuencia también. Más minimalista en la forma pero intenso en el
fondo con todos los personajes reunidos en la casa de los Méliès, policía y
florista unidos como pareja, él con un artilugio nuevo para su pierna que
funciona perfectamente creado por Hugo, otra reparación hecha por el chaval;
Hugo haciendo trucos de magia; Méliès hablando apasionadamente con su mujer y
Tabard, el escritor, sobre su trabajo; el librero recomendando libros, lo que
más le apasiona, al quiosquero y la dueña del café sobre perros; los músicos
que veíamos en la estación ponen música en el mismo decorado e Isabelle observa
como Hugo disfruta y escribe sobre él en un libro mientras la cámara de
Scorsese nos lleva a otra habitación donde encontramos al autómata, que es la
creación en sí misma, y la clave de todo, satisfecho con lo que ha logrado. La voz en off de la propia Isabelle, que cierra la película con unas bellas
palabras, rubrica la cinta con un final feliz donde la familia, el hogar y el
amor son la razón de ser. Una bellísima escena.
Por si alguien duda, comentar que Hugo no existió, es un
personaje de ficción en una historia real. Todo lo que acontece con Méliès es
cierto. Una vez más la mezcla y la confrontación difuminando los límites de
la realidad y la ficción. La concepción visual tan fantástica recrea la magia
del cine y de la imaginación infantil de forma deslumbrante.
Hemos visto como muchos de los temas clásicos de Scorsese se
mantienen en “La invención de Hugo” adaptados al género y tipo de película,
infantil y familiar, así el calvario para redimirse, el camino habitual de los
atormentados personajes del cineasta aquí se convierte en un camino, que
también redime, pero hacia el descubrimiento de uno mismo, de cuál es nuestra
función en el mundo.
Los seres solitarios, antisociales, buenos en ocasiones, que
se enfrentan a un mundo injusto también está presente en Hugo, donde tanto
Méliès como el propio Hugo, incluso Isabelle, son seres solitarios pero a
diferencia de los títulos más famosos de Scorsese no son personajes
perturbados o lindantes con la psicopatía (“Taxi Driver”, “Malas calles”, “Toro
Salvaje”). Las películas de Scorsese suelen tener una fuerte presencia
individualista, todo suele girar en torno a un personaje, el resto son, a
menudo, complementarios del mismo. Aquí también sucede. Los personajes
femeninos han ido cobrando presencia en las películas más personales de Scorsese,
pero su cine es masculino en su mayoría. Aquí, Isabelle tiene una presencia
importante. La soledad de sus personajes suele supeditar su psicología, aquí
ocurre de forma clara. La puesta en escena es deslumbrante y virtuosa pero los
movimientos de cámara no son nerviosos ni la violencia tiene presencia en la
cinta, algo coherente respecto al género y estilo del film y que Scorsese ha
hecho en varias ocasiones, cambiando su estilo frenético para adecuarlo con el
fondo del tema tratado. Con todo, la cámara se mueve libre, fluida, juvenil,
como corresponde también a la cinta, con extraordinarios planos secuencia.
Johnny Depp es productor de la cinta.
Pocos defectos pueden ponerse a la película, algún truco de
guión que no molesta y acaba resultando encantador, como la aparición del
escritor en la biblioteca, y poco más.
Una película para los que amen el cine, les guste soñar,
vivir, amar y reflexionar. Sí, la magia existe, y aunque algunos lo olvidan o
se consideran demasiado importantes para tenerla en cuenta, ahí está.
