Crítica: MONEYBALL (2011)

BENNETT MILLER

El mundo del deporte ha dado infinidad de títulos al cine, unos con mayor fortuna que otros y unos deportes han demostrado también ser más cinematográficos que otros. El boxeo, por ejemplo, sería el top 1 de los deportes cinematográficos.

La cinta que nos ocupa pone la mirada en un deporte que también ha dado una buena cantidad de títulos, algunos de ellos muy aceptables, a la historia del cine. El beisbol.

El boxeo no sólo es que haya dado innumerables títulos es que ha dejado absolutas obras de arte, “Toro salvaje” (Martin Scorsese, 1980), “Cuerpo y alma” (Robert Rossen, 1947), soberbios títulos de Robert Wise como “Marcado por el odio” (1956) o ”Nadie puede vencerme” (1949) las cintas de Mark Robson “El ídolo de barro” (1949) y “Más dura será la caída” (1956)…

Incluso el fútbol ha dejado algún título simpático como “Evasión o victoria” de nada más y nada menos que John Huston (1981) donde pudimos ver a Pelé compartiendo plano con Silvester Stallone, cosas del cine. O el hockey con la estupenda “El castañazo” (George Roy Hill, 1977).

En cuanto al béisbol han sido muchas, y serán más, desde obras extraordinarias como “El orgullo de los yanquis” (Sam Wood, 1942), a cosas más que discretas como “Ellas dan el golpe” (Penny Marshall, 1992).

En este pequeño repaso deportivo no puedo omitir un peculiar género de imprescindible mención, el “KevinCostnerBall”, con títulos como  “Campo de sueños” (Phil Alden Robinson, 1989), “Los Búfalos de Durham” (Ron Shelton, 1988), “Tin Cup” (Ron Shelton, 1996) o “Entre el amor y el juego” (Sam Raimi, 1999). Un crack el Kevin.

Lo bueno de la cinta que nos ocupa es que, en contra de mis reticencias iniciales, la mirada que los guionistas Aaron Sorkin y Steven Zaillian y el director Bennett Miller es novedosa y resulta un gozoso placer de principio a fin.

La trastienda de un equipo y el seguimiento a su manager general que revoluciona el mundo del béisbol con nuevos métodos de gestión, es un tema original que hará las delicias de todo amante a los entresijos del deporte.

Una cinta sobria, clásica y verdaderamente brillante cuyos pocos defectos hay que encontrarlos en la convencional dirección de Bennett que se limita a cumplir, algo que con el soberbio guión que tiene entre manos no es gran cosa, y en la parte final en la que se recurren a ciertos tic tópicos del habitual cine deportivo, ya se sabe, las consabidas cámaras lentas, agonía de un partido bigger than life, el todo o nada en un momento…

La historia es tan buena que logra apasionar y atrapa desde la trastienda del juego, una competición de despacho, con extraordinarias escenas en las que conseguir un fichaje es lo mismo que lograr un home run.

Se plantea de inicio el mérito de un modesto equipo que no puede competir contra los grandes presupuestos, una situación que el protagonista verá injusta hasta que comprende que la justicia no tiene que ver con ello. De forma realmente brillante se impondrá a sus frustraciones, sus complejos y al conformismo de su club y colaboradores, que asumen su rol de equipo modesto que debe asumir su condición e intentar mantener su estatus a la espera de que un año puedan dar una sorpresa, como esa misma temporada en la que nos ubica la narración donde llegaron a la final perdiendo el último partido.

Billy Beane (interpretado por un buen Brad Pitt), ex jugador fracasado, hará gala de su competitividad no resignándose a ese panorama y contestará al dinero con talento y matemáticas, pero sobre todo con fe y defensa de sus principios, a costa de ser considerado despótico o dictatorial.

De su inicial frustración que abogaba por reducir los presupuestos de los ricos, entiendes que si son ricos es por méritos propios, algo que también le dirá su fiel colaborador Peter Brand (magníficamente interpretado por Jonah Hill).

Fascina el relato sobre las interioridades deportivas, el derroche de dinero, los intereses, como se mercadea y ficha, el talento de la negociación, la competición con sus victorias y derrotas en un despacho, la poca especialización a nivel de gestión deportiva, la búsqueda de esa especialización y la maximización de recursos a todos los niveles de un club para sacar el mayor partido… A todo aficionado al deporte estoy seguro le gustará.

Un impulso y un talento para detectar las claves de la gestión económica hace comprender a Beane dónde está el talento en un club al que va a intentar fichar jugadores, un chaval en apariencia anodino parece ser el principal consejero de manera sorprendente, ya que es joven e inexperto. Su intuición le hará contratarlo.

La llegada del chaval, Peter Brand, será cuesta abajo, en descenso, es evidente que va a un club menor…

Otro punto a tener en cuenta, por lo que tiene de actual, es el factor de los estómagos agradecidos, los pseudos expertos en todo lo relacionado con lo que acontece, los periodistas que sientan cátedra basando sus cambiantes argumentos en los resultados o en sus fobias. Para todo aficionado al Real Madrid será fácil ver las similitudes entre las persecuciones periodísticas, su fobia y su ansia de control al club, campañas concretas con entrenadores, con Mourinho a la cabeza, y eterna contra el propio equipo, lógico al haberlo tenido demasiados años secuestrado, que quedan retratados y siempre contestados y vapuleados por los hechos y el talento de los verdaderos profesionales que trabajan en un club. Aunque esta gente, a la que prestan un micro para que extiendan más allá del bar lo que comentan con los amigotes, no se caigan del guindo por muchos hechos que les aplasten. Talento puro contra suposiciones fóbicas.

Prostitución intelectual se llama.

Las explicaciones que Brand da a Beane acerca de sus estudios es lógico que parecieran de ciencia ficción en su momento, pero el hecho es que fueron reales, aconteció todo en 2001. Equipos millonarios que despilfarran en jugadores por su imagen o dejan de contratarlos por ella misma, por supuestos problemas que crean en el vestuario pero contrastan con los datos objetivos de sus estadísticas, porque juegan raro o estéticamente son poco convencionales o simplemente son feos… Estás explicaciones contrastan con las que daban con sesudos ojeadores, ex jugadores, en su búsqueda de opciones para suplir las bajas del año, donde sus criterios se basaban en la belleza de ejecución de sus golpeos o lanzamientos y demás elementos superficiales.

Es una lástima que Robin Wright, hiperactiva últimamente, apenas aparezca en pantalla.

Es básica, aunque pueda parecer gratuita y un relleno sobrante, la relación del protagonista con su hija. No se dará importancia a la relación con su mujer, de ahí el escaso papel de Robin Wright, porque eso sí sería gratuito, en cambio si veremos varias escenas de la relación de él con su hija, que corre paralela a los altibajos profesionales. Este detalle, la importancia a una relación y que se omita la otra es un ejemplo de que esta idea es intencionada.

La hija actúa de vínculo con lo auténtico en esa constante lucha por mantenerse ajeno a los sentimientos, de mercadear con personas, de actuar para el resto y comerse las cosas solo. Con su hija podrá ser el mismo y dejarse llevar, sentir. Lo veremos en muchos momentos de soledad pero esto tendrá su culmen en la preciosa última escena.

Esta película además merece todo mi cariño porque volverá a sonar Journey y su indispensable “Don’t stop believing” un tema que va camino de convertirse en uno de los más iconográficos del rock melódico y el rock en general. Son incontables las series y películas donde ha sonado, especialmente en los últimos años.

Como curiosidad mencionar que en aras de la rigurosidad histórica saldrá Joe Satriani, uno de los mejores y más virtuosos guitarristas de la actualidad, tocando el himno americano como ocurrió de verdad al principio de esa temporada. Una gozada para los amantes del rock.

Su planteamiento lo entronca de cerca con “La red social” (David Fincher, 2010), esa forma de gestionar la vida desde un ordenador, vivir las vidas desde nuestro trabajo, pero sobre todo a “El ala oeste de la Casa Blanca”, no en balde Aaron Sorkin es guionista en ambas obras.

Bennett Miller usará imágenes de archivo para afianzar más el carácter histórico de la cinta.

Los principios del protagonista podrían ser asimilados en la película “La dama de hierro” (Phyllida Lloyd, 2011), curiosamente se miran desde puntos de vista muy distintos en cuanto a su afinidad. Nuestro protagonista será paciente, tenaz, firme, confiado, despótico en ocasiones, rondando la delgada línea que existe entre que te consideren un loco, un intransigente, un obseso, un dictador, de una persona tenaz, segura, brillante, o de principios…

-Haces cosas que la gente no comprenderá.

- ¿Y eso es un problema?

Las mencionadas escenas entre padre e hija (Kerris Dorsey) son de una conmovedora naturalidad, ver como Pitt se emociona al oír contar a su hija, como defiende sinceramente su talento y el apoyo incondicional y preocupado de ella por él, son bellos momentos de la cinta. Además de importantes.

 

Brad Pitt ha vuelto a ser muy elogiado, además de nominado al Oscar por esta cinta. El actor americano vuelve a estar correcto y en algunos momentos logra conmovernos pero dista de ser una interpretación sobresaliente.

Pitt impondrá sus postulados a pesar del entrenador, circunstancia interesante ésta. La escena donde Brad Pitt entra enfadado en un vestuario que es un jolgorio tras una derrota, provocando el silencio en el mismo, destrozando una cadena musical y diciendo la magnífica frase “Así suena la derrota”, es uno de los grandes momentos de la cinta. Es la idea de un club como un todo, no como grupúsculos individuales, un todo que sigue un plan.

Una de las escenas imprescindibles, que muestran la esencia de la película, un partido de béisbol en la trastienda mientras se crea un equipo, fichando y despidiendo jugadores, un partido, un trabajo, una vida fusionados, es la de la reestructuración del equipo. Una escena con planos, contraplanos y un teléfono como únicos elementos, más las grandes interpretaciones de Pitt y Hill. Una apasionante gozada de escena que emociona por sí sola. Hermana lejana de “Jerry Maguire” (Cameron Crowe, 1996). Un partido de la vida y una victoria.

Pitt aparecerá varias veces en su coche, este actúa de burbuja, allí muestra sus verdaderos sentimientos, le protege de lo ajeno, le cubre, es su coraza. En él veremos su frustración al inicio por la derrota sufrida, le veremos emocionarse cuando van a batir el récord de victorias, cambiando de rumbo incluso, le veremos indeciso dando vueltas ante las dudas que le surgen o emocionarse y tomar una decisión final sobre su vida al oír la cinta con la canción que canta su hija en el radiocasete del mismo automóvil.

La crítica al duro trabajo de los que creen saber más que nadie, y seguirán creyendo saber más que nadie, también está presente en la cinta, y los protagonistas son conscientes, plenamente conscientes. Un trabajo duro, constante, con mucho componente en la fe y la confianza que nadie, salvo los que están allí conocen. La frustración del ojeador ex jugador remite a ese corporativismo y clan que se agarran como garrapatas a sectores, en política se da mucho, porque si se quedan fuera no sabrán qué hacer.

La negación de la brillantez ajena parece un vicio.

En la parte final tenemos los mencionados tics clásicos de las cintas deportivas, que aquí chocan algo más al estar puesta la mirada en la trastienda del campo de juego. Esa épica y emoción está bien en otros títulos más centrados en el propio juego en sí, las cámaras lentas, efectos de sonido, exacerbar la sensibilidad de cada momento, que son muy efectivas, aunque muy vistas ya. Aquí resulta algo forzado.

Lo tomaremos como un irresistible homenaje que el director hace a la esencia el juego, del béisbol, del deporte, un juego que sea como sea, siempre será imprevisible aunque se puedan maximizar las opciones de cada equipo, sorprendente y cambiante. Un homenaje que se extiende, incluso, al papel del entrenador, con esa decisión improvisada que acaba dando el récord al equipo.

Los Atléticos de Oakland eran, y son, un club modesto que fichando lo que nadie quería y maximizando las cualidades individuales de cada jugador llegó a las finales y batió el record de victorias seguidas, 20. Por supuesto cuando no logró ganar la final, los rencorosos estaban ahí para cobrarse deudas, algo que nuestros protagonistas sabían bien.

El jefe de los Red Shocks, en su entrevista con Beane, para intentar ficharle, dará un magistral speech, de obligada escucha y que saca a la luz muchos de las aspectos aquí mencionados, los estómagos agradecidos, el miedo que supone verse fuera por un visionario, la envidia, la negación de la brillantez…Usará la metáfora del que rompe el muro primero y que siempre acabará sangrando.

Otra metáfora la tenemos en el video que le muestra Brand a Beane para apoyar sus argumentos sobre la verdadera victoria que ha logrado. La conversación anterior entre los dos tiene cierto aspecto circular y de madurez, cuando Brand hace entender a Beane que sus quejas por las injusticias de competir contra clubs de más presupuesto no tenían sentido. Brand le dice que a los jugadores que les pagan tanto lo merecen y éstos no se van por dinero esencialmente sino por lo que representa ese hecho. En la metáfora del video viene representado lo comentado, el darse cuenta de una victoria cuando crees que has perdido, el hecho de que en la peor de las derrotas estás, quizá, teniendo la gran victoria. Una gran última parte.

En la película, como tantas veces en la vida, los mejores partidos se jugarán en pequeños despachos o privadas habitaciones.

Billy Beane es un aparente perdedor, no consiguió ganar las series finales, pero un perdedor puede ser en realidad un ganador. Sólo se es un perdedor si uno mismo decide serlo. Sólo uno mismo.

Se puede ser un perdedor en la victoria y un absoluto vencedor en la derrota. Se puede haber firmado tu sentencia en el mayor triunfo y creado tu mayor fracaso en el mejor de tus éxitos.

Las interpretaciones son muy buenas, especialmente la de Jonah Hill, firme candidato al Oscar de este año. “Moneyball”  cuenta además con la participación del siempre talentoso Philip Seymour Hoffman. El guión es realmente excepcional y la dirección, clásica, convencional pero sin mordiente. Artesanal. No hay nada especialmente reseñable en la puesta en escena, que se limita a cumplir con eficacia pero sin ningún tipo de personalidad. De todas formas se agradece su clasicismo.

El resultado final es una obra inteligente, brillante, emocionante y original que ha tirado por tierra mis prejuicios y de la que se disfruta sin lugar a dudas.