Crítica: AL FILO DEL MAÑANA (2014) -Última Parte-

DOUG LIMAN

 

Amor.

Como en “Oblivion” (Joseph Kosinski, 2013) esta cinta nos deja interesantes y bonitas reflexiones sobre el amor, un amor que se considera, como en el poema shakespeariano, algo inamovible, inalterable, un faro que contempla tempestades sin inmutarse, al que hay que depurar y que cuando se elimina la hojarasca que a veces lo oculta o impide que lo reconozcamos se hace tremendamente vívido, hasta el punto de ir más allá del tiempo e incluso de lo físico, como ocurría en la cinta de Kosinski. Un amor por descubrir.

La huida de la playa, con el viaje en coche y su encierro en una casa buscando la manera de llegar al Omega en helicóptero, dejará los momentos más intimistas de la cinta, que tienen un halo romántico desesperanzado francamente conseguido.

 

El tiempo, además de ayudar a evolucionar física y mentalmente a Cage, desarrolla el vínculo de la pareja, especialmente de él, que no olvida. Tiempo y recuerdos como elemento de conocimiento, causa del enamoramiento. Ella se mostrará reticente inicialmente por un vínculo anterior que no olvida, de nuevo tiempo y recuerdos…

Serán escenas donde el ritmo trepidante se pause por unos instantes, que se dedicarán a la reflexión, al encuentro con su humanidad, a desarrollar un vínculo… todo por interés de Cruise.

 

Un detalle excelente en esta secuencia es que desde su mismo inicio intuimos que Cruise sabe más que su compañera, un cambio de roles inesperado en otro giro de guión excelente. Una frase donde demuestra saber más de la cuenta lo delatará finalmente. Él sabrá que ella toma tres de azúcar.

 

Este cambio de roles es muy interesante a nivel narrativo, ya que vuelve a suponer otro giro y evolución de los personajes, que dota de agilidad e imprevisibilidad a la cinta. Ella empieza siendo instructora, pero él acaba siendo guía, él es aprendiz y acaba siendo maestro, ella era maestra y tendrá momentos donde tenga que obedecer… para acabar de igual a igual.

 

Esta fase recuerda de alguna forma al paraíso terrenal que el propio Cruise se crea en “Oblivion” (Joseph Kosinski, 2013). Es la necesidad de sentirse humano, no un mero guerrero o soldado, buscando la cotidianeidad, el poder valorar las pequeñas cosas, la civilización… Ella, que no recuerda, es todo lo contrario, sólo tiene ganas de matar, es visceral porque no ha podido generar un vínculo hacia él al no recordarle, de esta forma sutil se vincula también el amor a la civilización y la humanidad, a nuestra propia esencia.

Él emprenderá la aventura en solitario consciente de la imposibilidad de acercarse más íntimamente a ella, consciente de que no podrá crear ese vínculo. Se irá en solitario porque juntos es imposible. De esta forma también la protege, aunque ella jamás lo sabrá. Así, el halo romántico mencionado, nuestro héroe en soledad arriesgando su vida, se hace plenamente patente. 

El carácter protector de Cage se va agudizando conforme avanza el metraje con respecto a Rita, incluso lo apreciamos en el clímax final. Una vez cumplida la redención Cage entenderá que su periplo por el infierno ha finalizado, que por fin ha superado la prueba que le permitirá entablar una relación con la mujer de la que está enamorado y que ella, por fin, le recordará al día siguiente.

Emily Blunt y Tom Cruise forman una magnífica pareja, con mucha “química”, en una relación y unos roles muy bien definidos desde el guión, que marca su contraste sin complicaciones y desarrolla la evolución, tanto de ellos individualmente como de su relación, con acierto.

“Al filo del mañana” es puro espectáculo, pero cuando se quita la hojarasca se descubren agudas e interesantes reflexiones gracias a su magnífico planteamiento, que da para ellas.

Los errores.

La columna vertebral de la estructura de la cinta se fundamenta en el error, el error como fundamento máximo del progreso, el desarrollo y la madurez. Es a través del error como se consigue evolucionar.

La película se plantea en cierta medida como si de un videojuego con vidas infinitas se tratara, donde el protagonista, nosotros, debemos ir superando misiones para ir alcanzando objetivos. Esas vidas infinitas nos permiten aprender de nuestros errores para poder saber donde están los peligros o las cosas que debemos evitar.

El error, por tanto, adquiere categoría metafísica en la cinta. Es a través del aprendizaje que los errores proporcionan como nuestros protagonistas irán pasando pruebas, al saber dónde se equivocan podrán corregir, variar o anticipar el suceso para coger por otro camino más adecuado. Cuando crean que no hay salida, ese aprendizaje y sus propias decisiones les encaminarán hacia un destino que ellos se forjan, en la que es otra de las claves conceptuales del film.

El error como la mejor forma de aprendizaje, creando un héroe humano, que falla, que yerra, que no es infalible y que cuando logra algo es con esfuerzo y sacrificio, con talento, pero sin que parezca un superhombre, sino una persona normal capaz de superarse a sí mismo, sus límites y su conformismo. Una aguda reflexión que da un punto de vista distinto del héroe acostumbrado de ciencia ficción. Además se relaciona de forma directa con la idea de redención.

Un gran ejemplo de cómo sirven los errores a nivel funcional a nuestros protagonistas lo tenemos en la escena donde Rita y Cage van a hablar con el general británico. El magnífico uso de la elipsis durante toda la película, una de las grandes virtudes, aquí se sublima.

-Rita: ¿Y ahora qué hacemos?

-Cage: No lo sé, nunca habíamos llegado tan lejos.

En el despacho del general lograrán un artilugio que les permite descubrir el verdadero paradero del Omega, preparando lo que será el clímax final.

Nuestro protagonista será tremendamente convincente a la hora de reclutar un ejército, la escuadra “J”, logrando lo que no había conseguido hasta ese momento, convencer a alguien de su don. En menos de tres horas tendrá la escuadra a su disposición para encaminarnos al clímax final. Una escuadra que no dura mucho en combate, pero que algo aportan…

 

El clímax es excelente, el ataque a la nave de nuestra escuadra nos hace recordar el inicio con el otro ataque a la nave en la llegada a la playa. Escenas trepidantes y espectaculares. No sólo será un frenesí visual lleno de disparos, choques, naves volando, aliens con malas pulgas y héroes brillantes, sino que tendremos momentos de suspense bien modulado, encuadres amplios y planos sostenidos. Todo muy bien dirigido. El último vuelo de una renqueante nave es espectacular, frenético, dirigido magníficamente, con una cámara inquieta, nerviosa, pero que dejar ver la acción con claridad. Brillantes escenas de acción con final feliz, terminando con un Alfa y el Omega.

Algunos momentos, como los más minimalista que anteceden a la muerte de Rita, están rodados de forma más confusa, con una cámara que en esta ocasión sí resulta excesivamente nerviosa, aunque no mancha en absoluto el buen trabajo general.

A partir de aquí, una vez resuelta la acción, queda concluir los aspectos conceptuales, cerrar las tramas, lo que puede llevar a ciertas confusiones en algunos casos. Cage muere pero vuelve a fusionarse con la “sangre” de un alien, en este caso el más poderoso, el Omega, lo que le permite volver a renacer, como es normal, aspecto que vimos en la primera muerte del protagonista. Todo lo que vemos a continuación vuelve a ser la repetición del mismo día en el que Cage despertaba siempre, pero donde se incluyen variantes, de esta forma Liman muestra escenas ya vistas con sus mismos diálogos, la de la instrucción especialmente, con la intención de hacerlas reconocibles al espectador, como es lógico, incluyendo marcadas diferencias, personificadas en Cage, que mira la acción desde otro punto de vista, para que se entienda claramente que todo ha cambiado tras la heroica aventura de nuestro protagonista. La redención llegando a su conclusión.

Referencialidad.

Debe quedar claro que en el cine moderno las referencias no se tienen que considerar nunca defectos sino todo lo contrario, grandes virtudes, la referencialidad bien entendida, se entiende, no el plagio descarado sin mayor aporte.

Aquí la referencialidad se usa de una manera magnífica, sin complejos y con talento narrativo, sin que merme la originalidad de la propuesta y jugando con ella para lograr una narración imprevisible, ágil, inteligente y brillante. 

Son muchas las cintas que vendrán a la cabeza al ver “Al filo del mañana”. Para empezar comentar que toda la película es casi un tributo a dos de los más grandes cineastas de entretenimiento del cine moderno, Steven Spielberg y James Cameron.

De Spielberg tenemos infinidad de detalles, desde la estructura de búsqueda, clásica del bueno de Spielberg, a títulos concretos como “La guerra de los mundos” (2005) o “Minority Report” (2002), que además tienen también a Tom Cruise como protagonista. La humanidad como “virus” para los aliens y la propia historia con invasión alienígena la entronca con la adaptación de la novela de H. G. Wells. “Salvar al soldado Ryan” (1998) en el desembarco en la playa, una batalla sin elementos gore ni sangrientos, también es fácil de recordar.

Con el cine de James Cameron también hay evidentes paralelismos estéticos e incluso en fases de la trama. Eso sin contar con la presencia de Bill Paxton. Los exoesqueletos, las naves, la camaradería y testosterona militar, incluso en las mujeres, son elementos que recuerdan al cine de Cameron, presentes en “Avatar” (2009) o “Aliens. El regreso” (1986). La eliminación del Omega recuerda también a la de la Reina Alien en la cinta de 1986. La sangre, como ácido, de los aliens es un elemento que remite a la mitología de "Alien", como todos los cinéfilos sabrán, pero más a la primera de Ridley Scott, “Alien, el octavo pasajero” (1979), ya que en la secuela de Cameron este elemento se omite y la sangre de los aliens no parece tener nada especial.

 

Una de las películas que más se han mencionado como referencia es, evidentemente, “Atrapado en el tiempo” (Harold Ramis, 1993). Revivir un día una y otra vez es un elemento que ya vimos en la obra maestra de Harold Ramis, en especial la idea en la que ese día se revivía a pesar de que el protagonista se suicidara. Los paralelismos son más que evidentes, pero se plantean ciertas diferencias interesantes. Una diferencia insignificante es que en “Atrapado en el tiempo” no se daba explicación al extraño suceso que provocaba que el protagonista viviera el mismo día una y otra vez, en cambio en esta sí que se insinúa una, el ácido de los alien. Una de las diferencias más interesantes es que aunque en ambas cintas se trata de un camino de redención, en la que nos ocupa más que una fábula moral se trata de una reflexión sobre el destino y el error como motor del progreso, reflexiones ya comentadas, elementos no tan esenciales en la cinta de Ramis.

“Código fuente” (Duncan Jones, 2011) y el juego con los viajes en el tiempo, “Pacific Rim” (Guillermo del Toro, 2013) y ese clímax descendiendo por el agua para poner una bomba que acaba con los extraterrestres, “Oblivion” (Joseph Kosinski, 2013) y algunos de sus elementos conceptuales, como la búsqueda de la humanidad en un entorno inhumano, “Starship Trooper” (Paul Verhoeven, 1997) y las batallas contra los aliens, aunque aquí sin elementos gore, “Matrix” (Hermanos Wachowski, 1999) y ese mundo “virtual” en el que Cage comete errores, el cine de Nolan y su idea de las muertes aparentes, como en “Origen” (2010), por ejemplo… son otros de los referentes que cabe mencionar.

“Al filo del mañana” nos deja, posiblemente, al protagonista que más pronto y más veces muere en pantalla, lo cual no deja de ser una curiosidad. Una estupenda película que juega con acierto con los atractivos viajes en el tiempo.

Doug Liman y Tom Cruise nos entregan una película que ante todo es entretenidísima, basada en el cómic de Hiroshi Sakurazaka, una auténtica gozada que satisface sobremanera, especialmente en esta época de seriedad y trascendencia algo cargante en este tipo de cine de evasión. Ágil, amena, con un desarrollo brillante e inteligente que la hace imprevisible dentro de sus previsibles reglas. Un guión excelente, un montaje muy brillante, una magnífica dirección y brillantes interpretaciones para rematar un soberbio espectáculo.

 

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