Crítica: EL FANTASMA Y LA SEÑORA MUIR (1947) -Última Parte-

JOSEPH L. MANKIEWICZ

 

Los tríos en el cine de Mankiewicz están muy presentes, una mujer entre dos hombres (“Cleopatra”, “La condesa descalza”…), un farsante y un creador. La figura del creador, del artista, es esencial en el director. Aquí el farsante, como es de suponer, es George Sanders y el creador es Rex Harrison, autor de un libro incluso.

La cama, escenario donde acontecen algunos de los momentos del monólogo de Daniel Gregg (Rex Harrison), suele ser un lugar reseñable también en el cine de Mankiewicz, aquí será el lugar de la despedida. También las escaleras, que subirá la protagonista para encontrarse con su amado capitán y descenderá para abandonar la vida terrenal, atravesando una puerta, que como también he comentado son importantes, para pasar juntos la eternidad.

Martha y Lucy frente a un espejo. Todo pasó, Lucy lo recuerda todo como un sueño y está dispuesta a casarse con Fairley. Martha estará frente al espejo mientras que Lucy aparecerá al fondo. Primero veremos a Martha de cara y a Lucy de espaldas en el espejo, luego será al revés, el plano y el contraplano usando el mencionado elemento del decorado. La autenticidad de Martha.

Como no puede ser de otra manera Lucy renunciará al retrato de Gregg, siempre simbólico. El giro de la historia se irá desarrollando y Lucy se enfrentará a la cruda realidad.

El descubrimiento.

Miles Fairley (George Sanders) es un farsante, un galán que seduce a ingenuas mujeres para aprovecharse de ellas, prometiéndoles matrimonio cuando en realidad él ya está casado. La realidad, que fue la opción que eligió Lucy, decepcionándola por completo. Esto nos da para muchas reflexiones.

-Quizá la realidad siempre decepcione, pero puede resultar cuestionable el recurso de que la opción real sea mala, que ese hombre resulte ser un farsante, una excusa para cambiar dicha opción. Inteligentemente Mankiewicz no hace aparecer al fantasma a continuación, sino que la decisión de Lucy (Gene Tierney) será vivir su vida como quiere, enamorada de un recuerdo.

-Puede parecer que la opción “no real” es sólo una opción cuando lo “real” no funciona. En cualquier caso Lucy no mantiene una relación con lo “irreal” hasta su muerte, tan sólo con un sueño o un recuerdo, que son muy reales.

-¿Estaba enamorada realmente Lucy del capitán Gregg? Puede parecer que se olvida pronto de él o que sea cuestionable el olvido de todo lo vivido, pero eso está justificado con la manipulación “hipnótica” que hace el fantasma haciéndola olvidar todo.

-Es posible que la historia hubiera tenido más fuerza aún si Lucy hubiera elegido al capitán antes que a Fairley. Lo cierto es que era necesario que Lucy probara la opción real, es el capitán quién se aleja. Una opción real positiva, no con un canalla como Fairley, hubiera planteado también interesantes cuestiones. La necesidad de sufrimiento para madurar.

La dictadura de la muerte y el pasado, que quizá nos impiden conocer el verdadero amor y a nosotros mismos.

-Es necesario el riesgo, pero en ese sentido la opción del fantasma también lo es. Es una opción muy real.

Las escenas en la terraza con esa niebla que matiza los rostros, especialmente los de Lucy y Daniel, son bellamente poéticas. La terraza será escenario del desconsolado llanto de Lucy tras conocer la verdad sobre Fairley, con una consoladora Martha.

Mankiewicz usará metáforas visuales para mostrar el paso del tiempo, la madera que un marino talló con el nombre de Anna (Natalie Wood), la hija de Lucy, o las escenas de transición con olas del mar. Esos serán los elementos usados. La metáfora marina con las olas viene perfectamente a colación para explicar el estado de ánimo y espiritual de Lucy. Primero veremos olas fuertes, tempestuosas, en la siguiente transición será un mar en calma, de olas suaves. Con respecto a la madera, que iremos viendo más deteriorada paulatinamente, el marino explica que la talló profunda para que cualquier barco pudiera ver el nombre, la cuestión es que si no le da la vuelta eso es complicado…

La decepción de Lucy no la impide anhelar esperanzada la vuelta de su adorado Daniel, sus siestas son momentos para la magia, una magia y un reencuentro que no llegarán. Por supuesto el retrato del capitán ha vuelto al cuarto, siendo el único que cuelga de la pared.

Este paso del tiempo, donde primero veremos la madera en pie, luego algo inclinada para finalmente verla derribada y azotada por las olas, nos irá mostrando a una Lucy cada vez más envejecida y a una Anna que de niña pasará a estudiante universitaria comprometida y luego madre. Unas elipsis que aceleran el ciclo vital de la protagonista en la parte final de la película. Todas poéticas.

Una escena clave la tendremos en la vista de la universitaria Anna con su novio a su madre. La conversación entre madre e hija desvela emotivas claves y provoca conmovedores sentimientos. Anna comentará que le apasionan los marinos desde pequeña, algo que sabemos cierto ya que Daniel lo comentó en la escena del tren junto a Lucy (le encantaban las historias de piratas). También la vimos de niña divertirse con el marino que talló su nombre en la madera. Lucy dice no saber nada al respecto, bien por egocentrismo o bien porque esos aspectos los olvidó adrede para generar esa ambigüedad sobre la verdadera existencia de Daniel. Recordemos que si Daniel pidió a Lucy que olvidara todo lo concerniente a sus conversaciones y momentos juntos no debe recordar la mencionada conversación en el tren. Coherente.

“Es la primera noticia que tengo”.

Es necesario comentar que Anna, interpretada por Vanessa Brown, debió salir al padre porque está tremendamente lejos de la belleza sideral de Gene Tierney. Incluso que la de Natalie Wood, que interpreta al personaje de niña.

Gene Tierney está notable, pero su interpretación abusa de miradas al tendido o al horizonte. Es evidente que es un personaje soñador y romántico, pero se utiliza en demasiadas ocasiones el mismo recurso de la mirada trascendente y perdida en sus recitados. Un exceso de afectación. Este debe no se lo pongo a la actriz sino la dirección, ya que ella está muy bien en dichos recitados. Aquí quizá es donde más se aprecia la inexperiencia, en esa reiteración desde la puesta en escena, de Mankiewicz.

Profundamente conmovedor es el momento en el que la hija reconoce que también veía al capitán Gregg y que hablaba largo y tendido con él, incluso se enamoró, aunque piensa que era imaginación suya. La mirada de Tierney en ese momento traspasa la pantalla, la ilusión, esperanza y revelación que transmite conmueven enormemente, por mucho que luego trate de negar el hecho. Todo coincide, fue en el primer año de estancia en la casa. Madre e hija compartiendo al capitán.

Esto volvería a demostrar que el fantasma de Daniel Gregg es muy real, lo sintió el agente inmobiliario, que incluso vio como su coche conducía hacia atrás; la cuñada y la suegra, incluso físicamente; la hija y ella… Y lo que es más importante y concluyente, el perro.

Pocas dudas al respecto y mucha ambigüedad.

La familia de sangre en esta película es un refugio, hay una mirada positiva hacia ella, en cambio con respecto a la política es todo lo contrario, representada en la cuñada y la suegra de Lucy.

La escena final con unas Lucy y Martha ya abuelas nos muestra el fin del viaje de la protagonista, o mejor dicho, el final de la introducción para su definitivo viaje a la eternidad, que compartirá con el capitán Gregg. Es muy tierno y entrañable como se retrata la relación de Martha y Lucy, discutiendo, refunfuñando, una relación de confianza absoluta donde los choques son el pan nuestro de cada día, pequeñas discusiones llenas de ternura y cariño. En este caso acerca de un vaso de leche. Aquí sabremos que Lucy es abuela, que su hija Anna tuvo una niña. Saltos generacionales, el tiempo que no descansa.

La muerte de Lucy tenía que ser poética, de gran belleza, como corresponde al tono del film, un tono con una atmósfera onírica y tremendamente romántica. La leche, la caída del vaso, la anciana Lucy cansada, la niebla… y el amor esperando el momento para compartir la eternidad.

Es un momento perfecto para mencionar la memorable partitura que creó Bernard Herrmann para esta cinta, de una belleza incalculable, una obra maestra. Podemos disfrutar además del “Adagio for strings” de Samuel Barber, un adagio que podemos escuchar en varias películas como “El hombre elefante” (David Lynch, 1980) o “Platoon” (Oliver Stone, 1986).

El trabajo de Rex Harrison es simple y llanamente sublime, su presencia y su personalidad inundan la pantalla, llenan la escena, transmite a la perfección esa mezcla de pasión y romanticismo desbordado necesaria para encarnar al capitán Gregg. Soberbio.

El resto del reparto, con George Sanders a la cabeza, está perfecto en sus distintos roles, incluso los más paródicos, como la suegra y la cuñada (Isobel Elsom y Victoria Horne).

 

Las reflexiones sobre el tiempo y el amor alcanzan también su punto culminante, un amor atemporal, imposible por la distancia y las circunstancias, algo que será corregido por el propio tiempo. De igual manera son muy agudas las reflexiones sobre la soledad, una soledad buscada u obligada, una soledad repleta de multitudes o con la compañía de los recuerdos…

“A veces te sientes más solo con otras personas que cuando estás solo de verdad. Por mucho que las quieras”.

“El fantasma y la señora Muir” es una de las historias de amor más románticas, poéticas y bellas que ha dado el cine. No lo es simplemente por esa preciosa relación entre un fantasma y una bella y solitaria señora, sino porque trata y reflexiona sobre ese tema eterno, el amor, desde todas sus vertientes y puntos de vista. Así tenemos el amor romántico, el platónico, el físico, el sacrificado, el generoso, el de amiga, el de madre, el de hija, el falso, el sincero, el imposible, el verdadero, el que se confunde, el personal, el carnal, el que es a contracorriente, el espiritual, el idealizado…

Como curiosidad podemos mencionar que Muir es mar en gaélico, lo que hace de la fusión entre ese mar que es Gene Tierney y ese marino que es Rex Harrison algo perfecto.

Enternece ver la relación de Lucy con su hija, de Gene Tierney con Vanessa Brown, habida cuenta de lo que le ocurrió a la actriz con su hija verdadera (sordo-muda, ciega y con retraso mental producto de una rubeola que le contagió una admiradora a la actriz) y la depresión en la que cayó.

“El fantasma y la señora Muir” es la adaptación de una novela de R. A. Dick, que en realidad era Josephine Leslie, una escritora que usaba pseudónimo de hombre para abrirse paso, algo que en la trama de la cinta se muestra también como un guiño con ese libro que Lucy entrega en nombre de un marino.

Joya del cine romántico y del cine en general de todos los tiempos. Para enternecer a los duros y complacer a los más sensibles. No se la pierdan.

 

Lee aquí la 1ª Parte del análisis.

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