Crítica: MALDITOS BASTARDOS (2009)

QUENTIN TARANTINO

Es extraordinario el amor de Tarantino por el cine, en cada nueva obra lo deja meridianamente claro y en esta “Malditos bastardos” no iba a ser una excepción, es más, “Malditos bastardos” debe entenderse sobre todo como un ejercicio de metacine, el cine como salvador, como reinventor de la historia. Así tenemos múltiples referencias al cine nazi, el papel de Goebbels como productor en su labor de ministro de propaganda, la UFA, la película dentro de la película, referencias a los alemanes emigrados a Hollywood o a la espléndida documentalista Leni Riefenstahl, directora de algunos de los mejores documentales jamás rodados, muy difíciles de superar a pesar de su deplorable fondo... es decir, el cine casi como un personaje más, constantemente aludido y que finalmente se erige casi en restaurador de la paz mundial.

Aquí volvemos a tener todas las características del cine de Tarantino, sus homenajes referenciales, su maestría para asimilar su enorme cultura cinéfila dotándola de un estilo propio, fusionando las referencias cinematográficas más clásicas con las de serie B, su violencia exagerada mezclada con humor, sus diálogos brillantísimos y alargadísimos… Y multitud de referencias para cinéfilos como es normal en el director, unas explícita y sutiles, unas aludidas por los personajes y otras que se intuyen en los aspectos formales (en la música encontramos en la escena inicial la banda sonora de “El Álamo”, de John Wayne de 1960, y también temas de Ennio Morricone como homenaje al spaghetti western).

Tarantino además no escatima y nos deleita, no sólo con todo su repertorio y sus habituales influencias, sino con una mezcla géneros cinematográficos, desde el western, a la intriga bélica, desde el suspense al cine de acción, y en ellos vemos el espíritu de Ford, de Hitchcock, de Leone, de Peckinpah, de Fuller, de Hawks…

La secuencia inicial es espectacular, una escena de western que de Ford se va transformando en Hitchcock y acaba concluyendo en Fuller, Leone o Peckinpah.

Esos planos iniciales con cierto toque “fordiano”, planos generales y también de una puerta que se abre  desde la que vemos llegar a alguien, como en “Centauros del desierto” de 1956, (en este caso es una sábana que descorre una chica), da paso a una larga conversación pausada y detallista, diálogos “tarantinianos” con ritmo a lo Sergio Leone, (ese vaso de leche servido y bebido si cortes por ejemplo). Esa conversación va subiendo en intensidad, el aumento de la tensión y el dominio del tempo son magistrales, hasta que desemboca en la orgía de violencia final, con el tiroteo a la familia escondida. El plano en el que la cámara desciende para enseñar a esa familia escondida en el subsuelo de la casa recuerda a Hitchcock, o incluso a su discípulo, tan admirado por Tarantino además, De Palma, creando un magnífico suspense.

La película además está estructurada en base a dos grandes escenas muy largas, una es la mencionada escena de arranque, la otra la que se sucede en el bar situado en un sótano. A estas escenas le siguen escenas más cortas donde se van presentando las situaciones y a los personajes. Además de las dos escenas mencionadas hay otras dos escenas de igual importancia pero algo más cortas que conviene destacar, una es la presentación del grupo de Brad Pitt mientras intenta sacar una información a un oficial alemán y su pelotón, y la otra la que desencadena el final con la conversación entre Christoph Waltz y Brad Pitt para acordar su rendición. Todas estas escenas, y alguna otra más corta, tienen un vínculo común y son el fundamento narrativo de la película, casi acaban siendo o significando la visión “tarantiniana” de la guerra. En todas ellas se trata de conversaciones-negociaciones, con el objetivo de mostrar al otro su mejor posición para lograr sus objetivos. Así en la escena inicial tenemos una negociación-planteamiento en el que Hans Landa (Christoph Waltz) hace ver a su “anfitrión” que le conviene delatar a sus protegidos por lo que le pueda suceder. Tanto en esta como en las que ahora comentaré la violencia es la consecuencia última, la consecuencia irremediable de dicha conversación, de dicha negociación. En esa primera escena el granjero acepta delatar a la gente que oculta lo que se resuelve en el tiroteo final de la escena.

La escena donde Brad Pitt y su grupo han capturado a un pelotón alemán se resuelve de la misma forma, el grupo pretende saber la situación de otras patrullas nazis y le hacen el mismo planteamiento que Landa hizo al granjero, es decir, que les diga su posición o acabarán muertos. La larguísima escena en el bar del sótano se resuelve también de una manera similar, una vez todos delatados y sin salida ante las negociaciones, acaba desembocando en otro tiroteo. La escena en la que Waltz negocia con Pitt acaba con la masacre en el cine.

Pero hay más escenas de este tipo aunque de una importancia menor, como la negociación en el restaurante sobre qué cine elegir, la escena en la que Pitt tortura a la actriz alemana para asegurarse de su sinceridad…

Por tanto no vemos espectaculares batallas bélicas ni nada que se le parezca, el conflicto está representado con dos personas hablando de posturas contrapuestas.

En la presentación de los Malditos Bastardos vemos homenajes a Leone en esos letreros presentando a algunos de los personajes, cosa que ya hiciera Tarantino en alguna película anterior como “Reservoir dogs”.

En cuanto a la historia de Shosanna, la motivación es exactamente la misma que la que movía a la protagonista de Kill Bill. La venganza. Ella odia a los alemanes con todas sus fuerzas y cuando se encuentra con el asesino de su familia ve claro lo que tiene que hacer.

La película es una reinvención histórica que podría considerarse vacía sino es por lo anteriormente comentado, por ese amor absoluto al cine que Tarantino introduce en vena al espectador, y que en la conclusión del film se despoja de toda moderación en dicha idea. Las imágenes de Shosanna en la pantalla incendiándose, una Shosanna que está muerta, como si la pantalla contuviera su espíritu, espíritu mortífero que acabará con la guerra y exterminará a los enemigos, no pueden ser más expresivas. El cine como vehículo de la justicia divina, el cine como catarsis de todo mal, como principio y como fin. Tarantino da categoría divina al cine, ya que da y quita la vida. Una vez más la realidad es algo vacío.

El cine, el arte, es capaz de hacer, cambiar o crear cualquier cosa, es pura creación, pura vida y por tanto, pura muerte y pura destrucción también, nos influye, afecta, emociona y condiciona de manera real, verdadera, muchas veces incluso más que lo cotidiano.

En relación a la historia de Shosanna tenemos el encuentro en el restaurante, en una escena de unos 12 minutos aunque Hans Landa no aparezca hasta el final de la misma, y que tiene la misma estructura de las anteriormente mencionadas. Landa propone que el “negro” que trabaja con Shosanna no proyecte la película y lo haga ella misma, algo que ella se ve obligada a aceptar…

En la extensísima escena del bar del sótano encontramos otra muestra de maestría tarantiniana a todos los niveles, desde la planificación (esos planos de los zapatos de la actriz antes de cambiar de mesa o los 3 whiskys que sirve el camarero, posteriormente serán objetos importantísimos en el devenir de las situaciones…), hasta la fotografía, los encuadres y las interpretaciones. Nuevamente Tarantino se toma todo el tiempo del mundo en crear una tensión que va creciendo hasta el límite, desembocando en una nueva espiral de violencia. Es una escena de casi 25 minutos, pausada al estilo Leone. Escenas que podríamos definir de estructura orgásmica, de continuo progreso hasta el estadillo final.

Todos los aspectos técnicos del film son estupendos, tiene una magnífica fotografía y dirección, la música, como siempre en las cintas de Tarantino es extraordinaria y las interpretaciones son buenas, en algún caso sobresaliente.

El divertido juego que usa Tarantino en el guión con los idiomas tiene todo el sentido y la coherencia del mundo dentro de un conflicto mundial, y está perfectamente integrado en la definición de los personajes y en esa falta de entendimiento que desemboca en violencia.

En todas las mencionadas escenas de negociación o tratos, éstos siempre se ejecutan frente a una bebida o una comida, en el momento de la conversación siempre se inicia el mismo ritual, bien sea el vaso de leche del comienzo, el whisky en el sótano del bar, el postre en el restaurante con Shosanna y Landa, o las copas de la última negociación entre Aldo Raine (Brad Pitt) y Hans Landa.

Con respecto  a las interpretaciones empezaré por Brad Pitt, que está correcto. En este tipo de papeles de un solo registro Pitt cumple generalmente, y también como le suele ocurrir es eclipsado por un compañero de reparto totalmente, en este caso por Christoph Waltz, que directamente se sale del mapa. En “Snatch, Cerdos y diamantes” (2000), en “12 Monos” (1995) o “Quemar después de leer” (2008), por ejemplo, Brad Pitt sabe cogerle el tono, suelen ser personajes con un punto excéntrico como mínimo, pero ese aire paródico y algo excesivo le sienta bien. Su Aldo Raine es un personaje de ese corte, con esa mandíbula protuberante y ese aire chulesco, que no pierde ni en la peor situación, es bastante divertido, sin ser en absoluto brillante. Una especie de Corleone paródico. Con respecto al mencionado Christoph Waltz, pues todo lo que se diga es poco, porque está espectacular y perfecto, uno de esos personajes para recordar en una interpretación para recordar. El resto del reparto también está bien y muy correcto, desde los papeles más pequeños a los más amplios, mencionaremos a Mélanie Laurent en el papel de Shosanna. Como curiosidad comentar que uno de los protagonistas de la serie televisiva “Rex, un policía diferente”, también de “Alerta Cobra”, tiene un papel en la cinta (Gedeon Burkhard). Siempre tendremos que destacar la facilidad que tiene Tarantino para crear personajes míticos.

El resultado es esa mezcla de influencias, desde las más sofisticadas a las más mundanas, pasadas por el estilo único de Tarantino, el único director de los 90 del que se podría decir que tiene un sello (tarantiniano).

Evidentemente se pueden exponer defectos, desde que pueda resultar vacía, a la inverosimilitud de su conclusión (la falta de protección de Hitler en el cine y demás…) como thriller, aclaro. Con lo comentado es evidente que en lo primero no estoy de acuerdo, aunque lo segundo es evidentemente cierto.

Dedicada a Percival.

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