Crítica: CISNE NEGRO (2010) -Última Parte-

DARREN ARONOFSKY

La primera escena es un sueño, el mundo onírico, que tiene mucho que ver con todo lo que sucederá en la cinta, un mundo creado casi en su totalidad por la protagonista dentro del mismo mundo real, como manifestación de sus obsesiones y búsqueda interior para lograr extraer todo el meollo al papel que debe interpretar. Una chica en apariencia feliz, constante a pesar de no haber logrado sus propósitos aún, pero que sigue confiada y esperanzada.

 

Poco a poco se nos irá introduciendo en la atormentada cabeza de la protagonista, ya sea con la labor de puesta en escena, donde abundan los espejos que reflejan su rostro de múltiples maneras, en los camerinos o el cristal del metro por ejemplo, que nos muestra un reflejo oscuro de Nina, o con sus visiones, como cuando se ve a ella misma varias veces. Ese otro yo, por supuesto, será su contrario, más desenvuelto y con el pelo suelto, algo ya comentado, y que la propia Nina también se dejará con el paso del metraje.

 

Un detalle de la impecable labor interpretativa de Portman es esa sutilísima sonrisa al comprender que no haber sido tocada por el director de la compañía de baile es un premio para ella.

La entrada de Nina en el camerino de Beth (Winona Ryder), recuerda, en la mirada fascinada de ella, a “Eva al desnudo” (1950) de Mankiewicz.

 

Una vez le dan el papel a Nina de Reina Cisne, comienza su esfuerzo por lograr ser convincente, clavar el papel de Cisne Negro. Su director, Leroy (Vincent Cassel), comienza a trabajar su psicología, que se suelte, que saque lo que lleva oculto, su lado agresivo, peligroso, turbio. La besará para provocarla o elogiará a otra bailarina, Lily (Mila Kunis), lo que llevará a Nina a la obsesión con esa latente rival elogiada por su director. Mila Kunis está inmensa también en esa especie de Cisne Negro en la vida de Nina, una interpretación llena de naturalidad y frescura. Un papel muy distinto a aquel en el que se dio a conocer en la magnífica serie “Aquellos maravillosos 70”.

El sexo es uno de los principales vehículos que Leroy utilizará para que Nina explore lo más recóndito de su ser. Ella es una chica virginal, introvertida y poco espabilada, pero hará lo que sea por su sueño, algo que también hará Leroy, que no se aprovecha de ella pero usa todas sus armas para sacar lo que quiere del interior de Nina. Así procurará masturbarse o tendrá ensoñaciones lésbicas con Lily en algunas de las más potentes escenas de la cinta, que no dejarán indiferente a nadie, sobre todo al bando masculino. Al final, con su completa transformación, se lanzará ella a manifestar con un morreo su enamoramiento del director.

Nina visitará a Beth (Winona Ryder) en el hospital tras el accidente de coche que ha sufrido la última, un accidente que Leroy piensa pudo provocar a propósito para llamar la atención, como protesta por ser apartada del papel de Reina Cisne, lo que creará cierto sentimiento de culpa en Nina, su sustituta. En el hospital Nina observará los hierros que han puesto a Beth en la pierna mientras ésta duerme, algo que vuelve a entroncar de forma casi obscena a Aronofsky con Cronenberg, ¿cómo no recordar el “Crash” (1996), del director canadiense?

El último tercio, que es absolutamente frenético con sus impactantes imágenes, muestra con absoluta claridad y contundencia, aunque se hace durante toda la cinta, las claras influencias  que tiene la película, y Aronofsky en general, de David Cronenberg, por ejemplo en la forma de expresar la transformación física, en este caso imaginada, en la forma de expresar la evolución personal, que en Cronenberg es la del hombre moderno que convive con ese otro yo interno que puja por salir manifestándose en una trasformación corporal, un hombre en transformación con su entorno, con respecto a él o por él, un nuevo hombre (“La mosca” (1986), “Existenz” (1999), “Crash” (1996), “Madame Butterfly” (1993), “Videodrome” (1983)…). La “nueva carne”, que Cronenberg siempre ha llevado como uno de sus temas esenciales y que Aronofsky recoge sin disimulo. La diferencia es que Cronenberg universaliza, estudia la evolución de un individuo en un entorno social y su cambio ante él, un hombre que tiene una pulsión interior que va saliendo, transformándole en otra cosa, un nuevo individuo, mientras que Aronofsky usa el mismo tema para centrarse en la evolución personal e íntima de un individuo concreto, en los términos expuestos, ligado a su obsesión o deseo.

Es obligado mencionar más influencias como la de David Lynch o la del Polanski de “Repulsión” (1965), con el miedo al sexo y el sexo como vehículo de transformación.  Además a la mencionada referencia a “Eva al desnudo” (1950), podemos añadir la de “Ha nacido una estrella” de William A. Wellman (1937), o cualquiera de su remakes.

La transformación de Nina en pleno baile resulta excesivamente redundante, parece innecesario, un exceso de subrayado, efectista, excesivo, desde lo visual y desde los diálogos, por ejemplo, el auto asesinato es subrayado con la frase del director, Leroy, diciendo “la única persona que se interpone en tu camino eres tú misma”. La transformación psicológica, visualizada en la física, se subraya constantemente con los arañazos auto infligidos mostrados con insistencia, por la aparición de plumas en su espalda, por la transformación en el escenario en la última actuación o por la referencia en los tatuajes de su aparente rival. Ese exceso de subrayado acaba transmitiendo simpleza, falta de sutileza y profundidad. Es el mayor defecto de la cinta.

La música, como no podía ser de otro modo, es excepcional, Tchaikovski y la adaptación del compositor habitual de Aronofsky, Clint Mansell y también de Matt Dunkley.

El trabajo de Natalie Portman es absolutamente asombroso, se ha dejado la piel, literalmente, en esta película. Sus esfuerzos como bailarina y la visceralidad e intensidad de su encarnación hacen de su Oscar uno de los más merecidos de los últimos años, una actriz espectacular, además de guapísima, que eleva la película gracias a la autenticidad y sinceridad de su encarnación.

Media película es el rostro de esta soberbia y bellísima actriz, un amor platónico. El trabajo tanto físico como psicológico es absolutamente bestial, una interpretación intensísima, como hacía tiempo que no se veía en pantalla, con la enjundia, profundidad y peso de las más grandes y de las películas más clásicas. Aronofsky es un magnífico director de actores, por otra parte.

Una brillante cinta sobre la lucha y consumación del actor por convertirse, literalmente, en su personaje, el gran objetivo, duro y sacrificado. Un viaje trepidante, desasosegante e intensísimo que merece la pena ser recorrido, tanto para el actor o el artista como para el espectador que ve el trabajo. Una montaña rusa de sensaciones, un descenso vertiginoso a los más oscuros rincones del ser humano, una travesía al conocimiento del yo. Una cinta sobre la obsesiva búsqueda de la perfección.

Dedicada a Osiris, con más cariño aún que ayer.

Lee aquí la 1ª Parte del análisis.