Uno de los pelotazos de este año sigue preparado su excelente
campaña de promoción mirando ya al bluray cuando se acaba de estrenar en salas.
La productora Barbara Muschietti y el director Andy Muschietti adelantaron a
Yahoo! que habrá corte del director con 15 minutos extra, si bien no habrá
grandes sorpresas en ellos, ya que se centrarán en ampliar escenas o incluir
algunas nuevas donde aparecen algunos personajes que se eliminaron en el
montaje presentado en salas.
Además, los guionistas y el propio Stephen King, autor de la
novela en la que se basa la película, como bien sabéis, han hablado sobre la polémica
ausencia de la orgía en la que aparecen los protagonistas, presente en la
novela, y que tampoco pudimos ver en la versión para la televisión de 1990.
King ha mantenido en Vulture unas declaraciones realizadas
en 2013, en su propia página web, explicando las motivaciones, más allá del
aspecto sexual, incidiendo en su simbolismo, como paso al mundo adulto. Ha
quitado trascendencia al asunto de la ausencia en las películas, si bien le
extraña que cause más revuelo esa escena sexual que las violentas.
Estas fueron sus palabras en 2013: “Realmente no estaba pensando en el aspecto sexual de la situación. El
libro lidia la infancia con la adultez. Los adultos no se acuerdan de su
infancia. Ninguno recordamos lo que hicimos siendo niños - pensamos que sí,
pero no lo recordemos tal como ocurrió. Instintivamente, los Perdedores sabían
que tenían que estar juntos de nuevo. El acto sexual conecta la infancia con el
mundo adulto. Es otra versión del túnel de cristal que conecta la biblioteca
infantil y la biblioteca adulta. Los tiempos han cambiado desde que escribí esa
escena y ahora hay más sensibilidad en esos aspectos".
Los guionistas, por su parte, han hablado de los cambios de
sensibilidad en la actualidad con respecto a la fecha en la que fue publicado
el libro, coincidiendo con King, y explicando que han tratado de explicar lo
mismo, ese tránsito al mundo adulto, de otra manera.
INSACIABLE WOODY
ALLEN
Sin haber estrenado la anterior ya está Woody Allen rodando
su nuevo proyecto, para el que ha contado con un rostro muy conocido, Selena
Gomez, que, junto a Timothée Chalamet, Elle Fanning y Jude Law, protagonizará el film.
Han salido varias imágenes del rodaje en las calles de Nueva
York, aunque se sabe poco de la trama. Un grupo de jóvenes y sus romances
previo paso a la edad madura.
Mientras seguimos esperando "Wonder Wheel", con Kate Winslet y Justin Timberlake.
JIM CARREY A LA
TELEVISIÓN
Jim Carrey hizo su mejor papel en la gran pantalla junto a
Michel Gondry en “¡Olvídate de mí!”, donde con ojos vidriosos padecía el duro
suplicio del olvido con una contención y emoción encomiables. Ahora el director
francés se vuelve a reunir con el actor para rodar una serie.
“Kidding” es el nombre del proyecto, que constará de 10 capítulos
y que traerá de nuevo a Carrey a la pequeña pantallas tras dos décadas de
ausencia.
Carrey se suma a la moda de actores que se pasan a la
televisión, que es una gallina de huevos de oro, para interpretar a un icono de
la televisión infantil. Un millonario de éxito que es pura bondad, un referente
moral en el que los niños se miran, pero que entrará en colapso cuando su
familia se disgregue.
TERMINATOR 6
Parece que hay director incluso. Hablamos aquí de la idea de
James Cameron de reflotar la saga que había perdido la deriva, de hecho desde
que Cameron dejó la dirección todo fue cuesta abajo.
Ahora parece que Tim Miller, director de "Deadpool", se pondrá
al frente del proyecto que estará bajo la supervisión de Cameron y que pretendería
iniciar una nueva trilogía para indagar en puntos oscuros que aún no han sido
aclarados, cómo el origen de los T-800 y el hombre en que se basarían.
No suena mal, aunque todo lo que no sea un Cameron tras la
cámara…
Desde luego, aparte de cuestiones más o menos filosóficas, “Olvídate de mí” es un adulto y maduro retrato del funcionamiento de una
pareja, desde el idealismo y felicidad iniciales al deterioro paulatino con el
paso del tiempo. Nada idílica, vemos a la pareja en los peores momentos decirse
cosas de tremenda crueldad en toda su crudeza, lo que da una autenticidad
asombrosa a todo. Fascina la incomodidad de la pareja en su reencuentro
amnésico. Esta incomodidad está muy bien mostrada desde el montaje, espléndido
durante toda la cinta, por ejemplo en el momento que Clementine propone a Joel
subir a su casa para tomar algo y arrepentirse, avergonzada, en el mismo
momento ante la breve indecisión de Joel. Mediante una elipsis vemos a Joel ya
en la casa de Clementine, se nos ahorra la discusión y explicaciones que llevan
a la aceptación de Joel, ya que no es importante en lo que se quiere
transmitir. Se muestra la incomodidad de los dos y a la vez su profunda
atracción, víctimas de esos hilos invisibles que no pueden ignorar sin saber
por qué. Gondry apuesta pues por transmitir sensaciones, emociones, antes que
por la narración.
Esto entraría en relación con lo profundamente poética que
es la cinta, el uso de las metáforas visuales, todas intensamente emotivas y
con contenido, imágenes fascinantes que impactan por su ilógica y conectan con
el subconsciente. Ejemplos hay miles, la escena de Clementine y Joel bajo las
sábanas y la historia de la muñeca, de una intimidad y sinceridad maravillosas
y de imágenes que van del más auténtico romanticismo hasta casi el terror. La
lluvia dentro de la casa como alusión a otro recuerdo lejano. La que logra en
gestos nimios como coger un trozo de pollo del plato del otro cuando apenas se
conocen (Joel dice “fue tan íntimo, como si ya fuéramos amantes”).
Al hilo de esto dos escenas casi mágicas. La del último recuerdo,
cuando Clementine pretendía pasar la noche en una casa ajena el primer día que
se conocieron, casa que se va destruyendo, como su recuerdo, ante la
indiferencia de Joel que se sincera de forma absoluta consigo mismo, mostrando
sus sentimientos a flor de piel, sin miedo a su vulnerabilidad, recordando cómo
se fue sin decir nada aquel día, cómo un simple comentario con cierto tono le
impulsó a ello (Clementine en el recuerdo de Joel dice “¿Y si esta vez te
quedas? Vuelve y al menos inventa una despedida…finjamos que la tuvimos.”)
La otra es, seguramente, uno de los planos más recordados y
está presente en los carteles de la película. La escena en el hielo en el
reencuentro (también en otros momentos), metáfora emocionante, el hielo como el
amor, inestable, impredecible, variable, mutable, frágil, que da miedo en
muchas ocasiones, pero tremendamente bello… Lanzarse a él es como un acto de
fe, de valentía. El hielo, la nieve, siempre aparece en momentos felices, como
en el plano final. Memorable. Joel dice “Podría morir ahora mismo Clem… Me
siento tan feliz… Estoy justo donde quiero estar.” (Muy goethiano también).
Esa autenticidad, esa sinceridad descarnada en el
tratamiento y reflexiones produce una intensa emoción y la revelación de que
esa honestidad con nosotros mismos, esa vulnerabilidad, si se pone de nuestra
parte, reconociendo los propios errores, nos mejora indudablemente.
La estructura de la película es caleidoscópica, como el
funcionamiento de nuestra cabeza, que emite pensamientos variados e inconexos
lógicos sólo para nosotros, y con un juego en el uso del flashback francamente
brillante. Esto se acentúa en el comienzo y la voz en off del protagonista que
lanza múltiples pensamientos sin aparente relación unos con otros. Un
funcionamiento de la memoria semejante a los post-it.
Son muchos los cambios de tono de la cinta, desde el drama a
la comedia o la pura ciencia ficción pasando por momentos terroríficos. Estos
últimos están relacionados con el sentimiento de pérdida, esa aparente
sensación de que no hay vuelta atrás se muestra en todo su horror, con una
imaginaría surrealista y siniestra muy acertada (rostros que no se ven,
pasillos claustrofóbicos, huida constante, evaporación del ser querido…).
La infancia también es mostrada con acierto, nada falla en
la película, se presenta como el refugio, el lugar donde se forja todo, el
cobijo al que recurrir. Pero también en ocasiones como un lugar cruel de
inseguridades y miedos (la historia de la muñeca de Clementine).
El guión es una maravilla, de estructura circular y con
innumerables vericuetos en su desarrollo, tiene momentos y frases memorables,
como las citadas u otras como “la arena está sobrevalorada, no son más que
piedrecitas diminutas” o el casi goethiano “éste no, déjame sólo este
recuerdo”… Momentos brillantísimos y un sentido del humor algo nostálgico pero
muy divertido y nada vulgar.
El proceso de eliminación de recuerdos irá de los más
recientes, que son los más dolorosos a los más lejanos que son, por el contrario,
los más queridos.
Todas las historias secundarias son imprescindibles y alguna
tan emotiva como la principal. La historia de Mary y el descubrimiento de su
retorno a lo vivido producen una tremenda desazón. Sirven además para
complementar la historia principal y enriquecerla, así tendremos otra gran
reflexión sobre la intimidad, sobre la esencia de uno y el conocimiento que de
los demás llegamos a tener. La intimidad cómo algo casi exclusivo de uno mismo,
sólo compartido o llegado a comprender por el resto en breves instantes, sobre
todo por la preponderancia que del propio ego tendemos a tener haciendo
inaccesible nuestro interior a la gente que queremos y nos quiere. En este
sentido es extraordinaria la escena donde Stan (Mark Ruffalo), Mary y un
anestesiado Joel, comparten cama en aparente intimidad y donde la pareja de
Stan y Mary parecen ajenos, casi con desprecio, a todo el tumulto interior que
está viviendo Joel en ese momento, pero un tumulto que no es exclusivo de él,
ya que descubriremos que tanto Stan como Mary albergan otro tumulto en su
interior. O la escena donde Clementine reprocha a Joel lo poco que se comunica
y éste responde con otra gran frase, “hablar sin cesar no significa
comunicarse”.
La escena final es otro momento sublime, una declaración de
amor sincero como pocas veces se han visto, especialmente en el cine reciente,
en esa aceptación de volver a repetir la experiencia aunque se esté convencido
de que se volverá a sufrir o exista esa posibilidad. ¿Se puede hacer una
declaración de amor mayor?
Los aspectos técnicos y artísticos son inmejorables, el
montaje ya mencionado, la dirección, el maravilloso guión oscarizado, pero
haremos mención especial a las interpretaciones, espectaculares todas, Kate
Winslet, que casi siempre está bien, encantadora, divertida, chispeante, los
más secundarios Mark Ruffalo, Elijah Wood, Kirsten Dunst o Tom Wilkinson… Pero
el que se lleva la palma es Jim Carrey, su mirada triste y llorosa y la
variedad de matices en la que es, sin duda, su mejor interpretación hasta la
fecha, conmueve y transmite toda la emoción de la película. Magnífico.
Evidentemente también es lícita la lectura negativa, esa que nos impulsa a repetir errores, la que nos condena a repetirlos de forma casi irremediable y la que nos hace valorar las cosas una vez las idealizamos y olvidamos lo malo...
En definitiva, es una invitación a no olvidar nada, ni siquiera el sufrimiento del cual se aprende, nos mejora y nos evita ciertos errores, o al menos si los volvemos a cometer no será por no estar advertidos.
Quizá, al fin y al cabo, aunque sepamos que vamos a sufrir nos compense vivir esos buenos momentos de nuevo...
La música de Jon Brion es maravillosa y se adecúa al tono
triste y casi resignado de la película como un guante, destacando el tema
principal “Everybody’s got to learn sometime” escrita por James Warren cantada
por Beck y producida por el propio Brion.
Una de las mayores obras maestras del cine reciente.
Imprescindible.
Como en el caso de "Como ser John Malkovich"
(Spike Jonze, 1999), Charlie Kaufman nos deleita con esta obra maestra de
desbordante imaginación, en este caso dirigida por Michel Gondry.
Kaufman, Gondry y Jonze forman una especie de triunvirato
sobre el que se debate a tenor de quien es el verdadero talento. Este trío
desde luego parece pivotar sobre el guionista Kaufman pero la verdad es que
talento tienen los tres, y mucho. Es cierto que sus mejores trabajos han
surgido de las colaboraciones, por ejemplo de Kaufman con Jonze en “Cómo ser
John Malkovich”, “Adaptation” o de Kaufman con Gondry en esta “¡Olvídate de
mí!, que sin duda es la mejor obra de todas las relacionadas con el trío. Pero
también lo es que por separado han realizado obras realmente excelentes del
máximo nivel, “Rebobine, por favor” de Gondry, “Donde viven los monstruos” de
Spike Jonze por ejemplo.
La realidad, su vacuidad e inexistencia como concepto ha
sido algo muy socorrido para los grandes directores modernos, recurriendo a la
confrontación entre esa supuesta realidad y la imaginación, la fantasía… Esta
fantasía, ese mundo que se confronta a la realidad unas veces son los sueños,
otras los recuerdos, en otras mundos alternativos… pero todas ellas llevan a la
misma reflexión. La realidad no existe.
Es un concepto vacío, sueños, recuerdos, mundos
alternativos… son caras de un mismo dado tan reales como lo que consideramos "realidad".
Esa idea es compartida y ha sido usada por directores como
Christopher Nolan, David Cronenberg, el mismo Martin Scorsese… y por supuesto
es uno de los conceptos vertebrales de estos tres hombres de los que hablamos.
Gondry, como Kaufman, trata el tema desde un punto de vista más romántico.
Un despechado Joel (Jim Carrey), decide someterse a un
revolucionario invento que elimina los recuerdos de tu pareja al enterarse de que
su novia Clementine (Kate Winslet), se ha sometido a dicho procedimiento. En el
proceso, Joel, mientras va olvidando toda la vida compartida con ella, recuerda
lo que le enamoró de su chica.
¡Olvídate de mí! Realiza una reflexión verdaderamente
profunda, imaginativa, adulta, dura y romántica sobre los recuerdos, no sólo
analiza la importancia de éstos, la idea de que somos memoria básicamente, que
la memoria, nuestros recuerdos nos definen, nos hacen ser lo que somos. Tampoco
es sólo un expresivo ejemplo del sentimiento de pérdida, esa angustiosa
sensación de perder lo más íntimo, lo que creíamos nuestro para siempre,
recuerdos, seres queridos, sentimientos. Ni siquiera sobre la ambivalencia de todo
recuerdo, la vulnerabilidad que subyace cuando nos enfrentamos a nosotros
mismos y nuestros actos, ambivalencia que va desde el engaño a nosotros mismos
a un sentimiento de culpa estremecedor, del deseo de sublimar lo malo a tener
que reconocer todo lo bueno que nos producen los recuerdos.
Joel, en la consciencia de estar olvidando recuerda la
esencia de sus sentimientos, lo que provocó su amor, lo bueno que compartió con
ella y que se afianza como lo definitorio de su relación de pareja.
La cinta de Gondry,
además de todo eso, da una vuelta de tuerca en su maravilloso final para
acabar siendo una película sobre la fe, lo intangible, sobre el alma, algo que
va más allá de los meros recuerdos. Lo que nos define no son los recuerdos, al
menos no sólo ellos, sino una capacidad individual, personal, única e
invisible, que nos permite a cada uno interpretarlos y aceptarlos, o no, de
maneras distintas, un mismo recuerdo afecta de formas diferentes a distintas
personas. Algo que de manera inexplicable nos une a alguien y que no tiene su
fundamento en ningún recuerdo, que va más allá. Un concepto de alma que puede considerarse
tanto en sentido religioso como aristotélico.
Es lo que hace el final de “¡Olvídate de mí!” algo
profundamente íntimo y esperanzador. Romántico y verdadero.
Una cinta sobre lo invisible, lo insondable, lo
indescifrable, sobre los hilos ocultos que nos unen y vinculan a los seres
queridos, a los afectos, a nuestras inclinaciones, que nos definen.
Por eso todos los que usan el procedimiento de eliminación
de recuerdos en la película sienten que les falta algo y volverán a sentir la
misma inclinación y sentimientos hacia las mismas personas, le ocurre a Joel, a
Mary y a Clementine, lo volverán a sentir por esos insondables, eso invisible
que no se puede borrar ni eliminar. Todo esto como una suerte de “eterno
retorno” nietzscheano. Hablando de “eternos”, el criminal título español que se
le puso a la película es fácil que cree prejuicios en el espectador, que piense
en una comedia estúpida. El original,
que traducido quedaría “Eterno resplandor de una mente inmaculada”, usa el
concepto “eterno” curiosamente. Está sacado de un poema de Alexander Pope.
Aristóteles, Nietzsche… es un placer que una cinta de
ciencia ficción provoque tantas reflexiones, sea tan compleja, divertida,
profunda y original. No son gratuitas
además las referencias a estos filósofos, si la presencia de una deidad viene
subrayada por las voces en off que constantemente oye Joel en el universo de
sus recuerdos sin saber de donde provienen, sus miradas al cielo y sus súplicas
para parar el proceso que nunca son oídas, Mary (Kirsten Dunst), citará a
Nietzsche en un momento determinando recitando la frase “Benditos sean los
olvidadizos, pues superan incluso sus propios errores” de su obra “Mas allá del
bien y del mal”.
También es una referencia recurrente William Faulkner y su
“El ruido y la furia” con esa narrativa que procura imitar los fogonazos del
discurrir interior de sus personajes, esa misma estructura y estilo está aquí
en “Olvídate de mí”, con los continuos fogonazos mentales de recuerdos en
ocasiones olvidados y muchas veces añorados.
Michel Gondry ha usado el conflicto entre ficción y
“realidad” en la mayoría de sus películas, un profundo defensor de todas esas
realidades que nos se consideran tales, de que el concepto de realidad no
existe. Así en “La ciencia del sueño” el protagonista confunde cuando está
dormido y cuando no lo está, en “Rebobine, por favor” se utiliza la ficción y
la creación artística, cinematográfica, como evasión y contraste de la supuesta
realidad. En esta nos sumerge en el mundo de los recuerdos.
Uno de los grandes hallazgos de la cinta es el mundo de los
recuerdos que crea Gondry, un universo que ejemplifica de forma magistral el
uso de los efectos especiales integrados en la trama y la narración, efectos
especiales justificados y necesarios, lo contrario a la gratuidad habitual en
este sentido. Muchos de ellos muy artesanales, algo muy del gusto de Gondry. En
ese universo lo más fascinante, además del aspecto formal, es esa flexibilidad,
esa manipulación que el protagonista hace de sus propios recuerdos, huyendo de
la eliminación de los mismos, escondiéndose e interactuando con la Clementine
de su mente, en una emocionante reflexión sobre la subjetividad de dichos recuerdos, sobre
como manejamos esos recuerdos a nuestro antojo, para justificarnos, engañarnos…
Es decir, algo que redunda en lo comentado anteriormente, en lo verdaderamente
definitorio del ser humano, de su esencia, de su personalidad, el manejo que
hacemos de dichos recuerdos, esos hilos invisibles.
Los perennes ojos acuosos de Jim Carrey en esta película
tienen que ver no con la sensación de los recuerdos perdidos, sino con la
sensación de los sentimientos, sensaciones perdidas, algo le falta, y no tiene
que ver con los recuerdos.
Los caracteres de los dos protagonistas son radicalmente
opuestos. Clementine es chispeante, inestable, imprevisible, divertida, alegre,
intensa, impulsiva, extrovertida… Joel es tímido, introvertido, inseguro,
rutinario, previsible, taciturno… Opuestos y complementarios, se dan lo que al
otro le hace falta, se completan.
Dedicada a Ángel, porque muchos de nosotros nunca te olvidaremos.
IT, CON METRAJE EXTRA
EN EL BLURAY
INSACIABLE WOODY
ALLEN
JIM CARREY A LA
TELEVISIÓN
TERMINATOR 6
