Crítica: EL PROCESO PARADINE (1947)

ALFRED HITCHCOCK

"El proceso Paradine" iba a ser la última película que Hitchcock haría con el productor David O. Selznick, con el cual el director nunca estuvo a gusto por su incontenible intervencionismo en sus films. El hecho de que Hitchcock acabara contrato con Selznick con esta película ha hecho ver a mucha gente desgana, como ganas de quitarse el asunto de encima con rapidez para poder dedicarse a los futuros proyectos con mayor libertad. Si bien es cierto que el film no está, ni mucho menos, entre los más notables del maestro, se puede decir sin temor que es una buena película. Hitchcock no era muy condescendiente con este título, la consideraba fallida y achacaba gran parte del problema al casting, del cual no salva a casi nadie. Para ser sinceros, la gran mayoría de las actuaciones están bien.

En principio la historia es idónea para Hitchcock, y quizá ahí si cabría reprocharse que no se le sacara todo el partido posible en algunos aspectos. Apenas maneja los elementos de suspense que contiene el relato, ni los desarrolla, ni los entremezcla con el resto, desde el crimen y su intriga, los elementos dramáticos y conflicto de personajes y la ambigüedad que se pudiera crear con todo ese material.

La estructura no se antoja la más adecuada. Acumula todo en la parte el proceso y eso le resta interés e intensidad. Todo el comienzo de la película, hasta llegar al proceso en sí, trata casi en exclusiva del conflicto del matrimonio, de cómo el matrimonio de Gregory Peck y Ann Todd se ve afectado por el proceso de la señora Paradine, pero la trama sobre la que va a tratar dicho proceso está totalmente difuminada, no hay apenas información sobre la misma, como si no interesase. De alguna forma esto es un problema ya que los personajes y la trama, precisamente por no saber ningún detalle de lo que ocurrió con la muerte del marido de la señora Paradine, no acaban de desarrollarse ni evolucionar, salvo el matrimonio protagonista y su conflicto, como ya comenté. No saber las circunstancias del asesinato, ni de lo que pudo pasar, quizá porque al profundizar se desvelase todo de forma muy clara y prematura, hace que se entienda con dificultad los impedimentos y la planificación que hará el protagonista. Además se añade la circunstancia de la pérdida de interés, ya que uno quiere ir teniendo más información sobre lo que pasó, que se vaya obteniendo más información sobre la intriga, mezclada con el resto de puntos de la trama para una mayor complicidad y atención del espectador, pero nunca llega.

Otro de los problemas que tiene la película es, precisamente, la base sobre la que se sustenta el conflicto del matrimonio protagonista y que vertebra toda la primera parte del film, es decir, la fascinación que siente el abogado interpretado por Peck hacia esa misteriosa mujer. En ningún momento entendemos qué le fascina, ni el proceso de fascinación que va envolviendo al abogado, cuando queremos darnos cuenta vemos que, parece ser, se ha enamorado de la señora Paradine, pero no tenemos claro por qué ni lo vemos reflejado en pantalla. Ver el trabajo que haría posteriormente Hitchcock con la fascinación y paulatina obsesión que tendrá el personaje de James Stewart hacia Kim Novak en "Vértigo" (1958), es un ejemplo diferencial con este film, y que sería importante para entender el tema esencial de la película, es decir, la degradación moral del abogado. El proceso está bien rodado, como todo lo que realiza Hitchcock, y la calidad visual del film es excelente. Es ahí donde iremos conociendo los recovecos del caso, los giros argumentales y relaciones secretas de los personajes, todo a través del relato de los protagonistas, no visualmente mostrado.

El matrimonio de Charles Laughton y Ethel Barrymore es sin duda lo mejor de "El proceso Paradine". Laughton interpreta al juez del caso y sus diálogos, así como la descripción del personaje, son lo más interesante del film y donde más se nota la huella del director. El plano que realiza Hitchcock sobre el hombro desnudo de Ann Todd, es un ejemplo del talento y expresividad visual del genio. Con ese plano define un personaje. La escena final de dicho matrimonio es increíble, es más, creo que en ella ganó el Oscar Ethel Barrymore. 

Otros planos a destacar son el complejísimo travelling circular que muestra la entrada de Louis Jourdan en el juicio, manteniendo en primer plano a Alida Valli. Maravilloso y de una expresividad que también habla por sí misma. El trabajo de Peck es bueno, en especial cabe destacar su final, su derrumbe moral, el reconocimiento de su degradación. Ann Todd interpreta a una mujer sumisa, inteligente y fiel que le redimirá de sus pecados. Buen trabajo también.

Sería estúpido no mencionar la maestría de los encuadres, de la puesta en escena y algunos elementos personales, de los cuales he mencionado ejemplos.

La evolución de los personajes, como comenté, está lastrada de inicio, pero es justo reconocer que luego está bien llevada y los intérpretes la hacen creíble. Se podría reprochar falta de fuerza en la secreta relación entre la señora Paradine (Alida Valli) y el personaje de Louis Jourdan.             

Buen ritmo, gran pulso, en ningún momento se pierde el interés a pesar de que éste pueda verse lastrado por los motivos mencionados. Las reflexiones sobre la degradación, la fidelidad, el autoengaño, la ligereza de los vínculos personales, la sumisión y la dependencia irracional son de bastante calado. Un Hitchcock nunca decepciona, aunque no sean obras maestras lo que veamos.

Crítica: OJOS SIN ROSTRO (1960)

GEORGES FRANJU

De una depuradísima truculencia esta película francesa de terror perturba sin concesiones desde su inicio hasta su final, una película fría y sin florituras.

Con un ritmo calmado y muy pausado, como si algo se estuviera cociendo a fuego lento, Franju va creando un ambiente de extrañeza, contenido, sumamente frio, aséptico pero violento de alguna forma, algo enfermizo, siniestro, terrorífico, un miedo contenido. Esa asepsia viene dada en el ritmo extraordinario de la película, en la máscara blanca y sin gesto, en la enorme casa del médico… Y acaba desembocando, como no podía ser de otra manera, en una escena realmente escalofriante, la larguísima operación a la chica secuestrada. Una operación que da un bofetón al espectador que ve un brusco contraste entre la asepsia anterior y la explicitud detallada de la escena, una operación que respeta los mismos parámetros anteriores de ritmo pausado y que se hace difícilmente soportable para el espectador, que observa incómodo todos y cada uno de los pasos que va realizando el médico.

Un prestigioso cirujano tuvo un accidente en el que su hija quedó terriblemente desfigurada, por ello se siente culpable y hará todo lo que esté en su mano para devolverle el rostro, por terrorífico que sea.

La película se vertebra sobre 3 personajes perfectamente definidos y que también tienen cierta dimensión metafórica.

El primero de ellos, el padre (Pierre Brasseur), el prestigioso cirujano atormentado por la culpa y obsesionado por subsanar la situación de su hija, un personaje que pierde el norte de toda ética y que hace de su obsesión su único objetivo real en la vida perdiendo por el camino toda empatía. Encontrar una solución al problema de su hija pasa a ser lo más importante y para ello se convierte en un carcelero a muchos niveles, incluido de sí mismo.

El segundo personaje importante es el de la ayudante del doctor, Louise (Alida Valli), que es de una fidelidad a prueba de bombas producto del agradecimiento que siente por el doctor que la operó con éxito su desfiguración. Louise es también prisionera de su propio agradecimiento, de la deuda que cree que tiene con el doctor y que la obliga a servirle en todo, incluso en las más atroces peticiones. Una fidelidad absoluta.

El último personaje de los mencionados es el de la propia hija del doctor (Edith Scob), prisionera en su casa tanto por sus propios complejos y miedos como por decisión de su padre. Es interesante el análisis psicológico de este personaje consciente de las atrocidades que comete su padre para ayudarla y cómplice por aceptación. Su egoísmo, comprensible ante una situación tan desesperante, acaba tornando en liberación.

Tres personajes irremediablemente unidos los unos a los otros, encerrados en sus obsesiones, regodeándose en su prisión de dependencias y complejos. Sentimientos viciados de forma enfermiza. Tres personajes a los que no les importan las consecuencias de las barbaridades que hacen para lograr sus objetivos unos por acción y otros por aceptación. Tres personajes donde reside el amor, viciado como comenté, el amor de un padre a su hija viciado por la culpa, de la hija hacia su novio viciado por los complejos y el egoísmo, y de la ayudante del doctor hacia el doctor repleto de gratitud viciado por la dependencia y el propio agradecimiento.

Todo esto muestra muchos aspectos en común en los tres personajes, que además dan forma a los principales temas de la cinta de forma metafórica, como por ejemplo la libertad. Todos ellos se han auto impuesto una prisión de forma más o menos inconsciente, prisión de la que serán liberados por la hija del doctor a través de la muerte. Ese final liberador es casi una apología de la libertad, con esa paloma simbólica en el hombro de la chica. Una orgía de liberación donde la hija del doctor libera a la chica secuestrada, a los perros, mata a la ayudante del doctor liberándola de su dependencia y sentimiento de culpa y los perros recién liberados que se vengan de su carcelero, así como se libera ella misma.

Estos temas y otros que ahora mencionaré, tienen más sentido aún si tenemos en cuenta a un cuarto personaje, apenas dibujado pero importante con respecto a la historia y sus planteamientos. El novio de la hija del doctor (François Guérin). Este chico queda al margen de toda la historia, la chica le ama totalmente y le echa de menos llamándole por teléfono sin atreverse casi a decir nada, sólo para oír su voz, pero permite que sufra con la fingida muerte que planea su padre. Por parte del padre lo mismo, sabe de su amor por ella y el de ella por él pero lo ve casi como un problema donde eso es lo de menos. Nadie pregunta al chico si aceptaría a su novia tal y como está, nadie se atreve a preguntarle por la naturaleza de su amor. Es ahí donde este personaje es importante también para otro de los temas capitales de la cinta. La máscara. Las apariencias, la máscara social, la máscara como forma de relacionarse, la idea del individuo como máscara en cuanto a ser social, el individuo en sociedad es una máscara de sí mismo, siendo él mismo en soledad o en confianza y usando esa máscara en su relación con el mundo. Nadie confía ni pregunta al chico, se asume que sin rostro, que con una máscara, no es posible la aceptación. Por ello todo lo relacionado con estos personajes son máscaras. El prestigioso doctor de vida aparentemente respetable, sufrido padre por la muerte de su hija, es en realidad un sociópata capaz del asesinato frio por sus objetivos. La ayudante del doctor de cara amable y comprensiva, generosa y dulce, es una embaucadora y manipuladora captora de chicas jóvenes para terribles experimentos. La hija que permite el enmascaramiento de su propia muerte en la creencia de que así será aceptada por su chico. Esta última es la única que rectificará y provocará la catarsis liberadora final.

Esa máscara neutra que oculta el rostro, el mecanismo de falsedad del individuo pero también de honestidad, es un objeto que inunda toda la película, el único personaje que lo usa es el único personaje que no puede usar su rostro como tapadera, los demás fingen con su rostro, su máscara social, el doctor poniendo cara apesadumbrada en el depósito de cadáveres y en el entierro, así como su ayudante que también lo usa para convencer a las chicas a las que pretenden robarles su rostro. Una inteligentísima muestra visual, poderosa, y una reflexión más que interesante que dota a una película de terror de una complejidad y calidad extraordinarias, algo que le suele faltar a este género. Un retrato de la sociedad desolador, una sociedad que no es más que una máscara de sí misma, de cada individuo.

El comienzo es excelente con una escena que da el tono de la película, un acto tremendo, extraño, de ritmo pausado y desasosegante. Luego la película va preparando al espectador que en la escena de la operación tiene el primer shock, y más fuerte, de toda la película, pero luego se suceden otras escenas igual de terroríficas, impactantes y de una potencia visual imponente, como la del intento de escapada de la chica operada y envuelta en vendas cual fantasma que acaba cayendo por la ventana, la muerte del doctor a manos (o a dientes), de los perros que tenia encerrados, la muerte de su ayudante… Pero la escena cumbre es la mencionada de la operación, insufrible, lenta, angustiosa, alargada hasta decir literalmente basta, cerca de 6 minutos que ponen a prueba al espectador, incomodándolo y revolviéndolo sin concesiones.

“Ojos sin rostro” es una película influyente que ha inspirado en el thriller y cine de terror múltiples títulos, podríamos mencionar esa máscara que vemos en “Abre los ojos” de Alejandro Amenábar (1997), o “Cara a cara” de John Woo también de 1997, con los cambios de rostro, la reciente "La piel que habito" de Almodóvar (2011) como ejemplos.

Su único defecto que el ritmo pueda resultar cansino y la trama policial insulsa aunque coherente con el tema de “la máscara”.

Todos los miembros del reparto están espléndidos. La dirección es soberbia.

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