Crítica: COSMOPOLIS (2012) -Última Parte-

DAVID CRONENBERG

 

Todo este universo apocalíptico nos recuerda a “Crash”, la cinta que Cronenberg realizó en el 96, donde los protagonistas miraban fascinados el caos, la muerte y la destrucción producida por los accidentes de coches, de hecho veremos también a “fotógrafos de la muerte”, morbosos, como los de la cinta mencionada. Así el coche, como símbolo de la modernidad, vuelve a ser escenario de los deseos más primarios, del sexo, como el coito entre Pattinson y Binoche,  incluso en la misma posición que el que tuvieran James Spader y Holly Hunter. También el tono, esa falta de conflictos, esa frialdad, aunque aquí todo es menos perfecto que en la cinta de 1996.

“No es original”

“¿Qué es original?”

“Es mío”

"El impulso destructivo es un impulso de creación"

En el coito con la guardaespaldas, Pattinson le pedirá que le disparé su arma de descargas eléctricas, su necesidad de sentir, sensaciones, ante su impotencia e incapacidad de tener sentimientos, va creciendo. Como en “Crash”. Esa será la primera vez que Pattinson será encañonado, en la escena final lo será de nuevo, otro eco, aunque en esa ocasión no pedirá, como en la que nos ocupa, que disparen sobre él.

En la conversación entre Pattinson y su mujer volvemos a ver la consciencia de ambos personajes de su aislamiento, de su diferencia con respecto a la “gente normal”, así Pattinson dirá “Me gusta. Somos dos personas que hablan. ¿No es así como hablan?”, su mujer responderá “¿Cómo voy a saberlo?”… Los personajes robóticos y fríos de Cronenberg.

El director canadiense muestra de forma magistral la evolución del personaje interpretado por Pattinson despojándolo de elementos paulatinamente. De su impecable look inicial poco quedará al final de la película, un deterioro que poco tiene que ver con circunstancias excepcionales, son cosas sutiles, más alguna curiosa, las que se van sumando. De su look impecable pasaremos a ver como se quita sus gafas de sol, luego perderá la corbata, posteriormente la chaqueta, además perderá a su esposa. Luego veremos como un activista le da un tartazo, un atentado simbólico, con lo que su rostro y su pelo quedarán manchados, a continuación llegará a la ansiada peluquería donde recibirá sólo medio corte de pelo ya que en un impulso se irá de allí, así que también irá mal peinado… Por último acabará auto hiriéndose, las clásicas laceraciones autoinfligidas de Cronenberg, con un disparo en la mano previo a la espera de que Giamatti apriete un gatillo.

Una evolución en su aspecto físico que muestra el interno, ese otro yo que puja por salir, en una manifestación que suple a la del robótico, frio e inamovible rostro de Pattinson, que vuelve a recordar al de los protagonistas de “Crash”.

La asepsia sentimental de Pattinson va resquebrajándose, aunque mantenga su mirada perdida, como vemos en la escena de la discoteca. Ese resquebrajamiento relativo lo tenemos en su emoción y lloro al enterarse de que su rapero favorito ha muerto, otro signo de su distorsión vital, su deterioro afectivo, anestesiado, averiado. En la escena de la discoteca seguiremos con las peculiares evoluciones de Pattinson en su afán por sentirse algo más humano buscando sensaciones. Saldrá el tema, con su guardaespaldas, de lo que se siente al matar a un hombre, antes vimos como le apuntaba su empleada negra, y posteriormente experimentará, porque sí, el asesinato… todo acercándole, voluntariamente, a un propósito, su propia muerte.

En la escena del atentado con tarta vemos cierta desgana en Cronenberg, una puesta en escena muy forzada, no porque sea teatral, sino porque resulta artificiosa, poco elaborada y veraz. Acto seguido, y ante unos incrédulos y jóvenes jugadores de baloncesto, Pattinson tendrá su experiencia homicida matando a su jefe de seguridad, que tan bien lo había cuidado hasta ese momento. Un asesinato consumado con total frialdad tras parecer querer crear un vínculo afectivo… algo de lo que es incapaz. Un impactante momento. Sigue buscando con placer la muerte.

Nuestro protagonista llegará por fin a la ansiada peluquería, que acaba siendo alegórica también. Allí veremos como Pattinson se refleja en un espejo, pero no se le ve la cara, casi como a los vampiros, una personalidad difuminada.

La peluquería, como he comentado, acaba resultando alegórica, el lugar en el que Pattinson quiere reencontrarse con la infancia y el pasado, con vínculos afectivos olvidados, allí veremos un cochecito de juguete donde nuestro protagonista se sentaba de niño. También intervendrá en la conversación el chófer de Pattinson, que compartirá experiencias con el peluquero. Hablarán de la protección.

 

De igual forma que hemos visto la transformación de Pattinson, todo durante la película se transformará, el entorno, de placentero a cada vez más apocalíptico, del lujo a callejones oscuros y suburbios, o la propia limusina, impoluta al comenzar y completamente manchada, pintada y abollada al final del trayecto. Pattinson pasará de la protección, aislamiento y seguridad de su limusina a vagar por callejones peligrosos y la basura. Un alucinado viaje al corazón de las tinieblas, un extraño contraste entre surrealismo y realidad. No es raro que Conrad venga a la cabeza.

Un impotente viaje hacia la humanización.

Todo cada vez más primitivo, dentro de un orden. Pattinson en callejones pistola en mano tiroteando sin mirar a su presunto asesino y viceversa.

 “Quiero matarte porque quiero contar para algo en mi propia vida”.

Pattinson confirmará que vio a Giamatti junto a un cajero, como vimos con anterioridad fugazmente.

 

San Agustín: “Soy un enigma para mí mismo”.

Durante la conversación entre Pattinson y Giamatti, entre el rico hombre de negocios y su pobre empleado, habrá ciertos detalles de puesta en escena y uso del decorado interesantes, como la confesión en el váter-confesionario de Pattinson o el uso de la cortinilla, que de nuevo parece un confesionario, con cada actor a un lado de la misma. Una conversación donde se reflexionará sobre la ambición, la autosuficiencia y la falta de arrepentimiento de Pattinson, sobre su extrema competitividad, incluso en la autodestrucción. Sobre la violencia, los complejos y la falta de iniciativa de Giamatti, sobre su odio por ser mediocre… Un duelo de clases casi.

 

La autodestrucción de Pattinson llega a su estación final, lo veremos jugueteando con su pistola, poniéndosela en la boca distraídamente y su posterior autolesión, un clásico de Cronenberg, disparándose a la mano. Es el último paso en ese deterioro físico paulatino, y en su look.

Giamatti revelará el significado de la próstata asimétrica que tanto perturba a Pattinson, si lo hubiera entendido habría evitado su caos financiero particular…

Hay que destacar el duelo actoral final, con un excelente Giamatti y un magnífico Pattinson, que se reivindica con fuerza en esta cinta y tira por tierra prejuicios por haber sido protagonista de la saga “Crepúsculo”… siempre se es muy aficionado a condenar a actores en función de un proyecto exitoso o que no nos gusta. Un gran trabajo del joven actor. Un ejemplo de su buena labor lo tenemos en la escena final, su plano sostenido aguardando el momento en el que Giamatti, con una toalla sobre la cabeza como si fuera un monje, decida apretar el gatillo y así cumplir con su deseo autodestructivo mientras salen lágrimas de sus ojos. Acabar con su agonía, es un muerto en vida.

Hay un cambio final en la jerarquía, el dependiente tiene la posibilidad de decidir sobre el que considera ha dictado sus pasos a seguir. Un sometimiento que, no nos engañemos, es voluntario por parte de Pattinson, que parece tener la necesidad de comprobar qué se siente dependiendo de otro. Por ello Giamatti en ese momento es falsamente poderoso.

El final es interrumpido, vemos a Giamatti apuntando a Pattinson y Cronenberg fundirá en negro. La amenaza latente, el acto sin ejecutar. Una situación dada donde Cronenberg parece pedir al espectador que elija qué haría con ese personaje.

El texto de DeLillo es magnífico, muchas de sus frases y reflexiones son verdaderamente interesantes aunque en ocasiones la falta de nervio de la cinta no le haga justicia. Un relato apocalíptico sobre la crisis del capitalismo o su aparente muerte… antes de su pronta resurrección. Un diálogo entre el capitalismo, la crisis, la autodestrucción, la sociedad ilusoria, la anarquía…

La película es pausada, lo cual no es nada malo, pero sí acaba cayendo en cierta lentitud, ensimismamiento y desgana, aunque conserve, en menor grado, la potencia visual e hipnótica clásica del cine más personal de Cronenberg. Esto puede provocar que resulte aburrida a un gran número de personas, especialmente si no entran en el denso texto que propone DeLillo y la película. Cierta falta de garra. Hay que añadir las similitudes excesivas con “Crash”, a la que no acaba de añadir grandes cosas. A pesar de estos defectos son suficientes las virtudes para hacerla más que interesante, además posee una atmósfera y fotografía excelentes, algo habitual en Cronenberg.

Una cinta difícil que tendrá tantos adeptos como detractores.

 

Dedicada a Patricia L.,  espero que el análisis haya cumplido las expectativas.

Lee aquí la 1ª Parte del análisis.

Crítica: COSMOPOLIS (2012) -Parte 1/2-

DAVID CRONENBERG

 

No es extraño que una cinta de Cronenberg resulte polémica o divida al espectador, ya lo vimos con la excepcional “Crash” (1996). Con “Cosmopolis” ha vuelto a pasar aunque a diferencia de con la anterior el recibimiento ha sido más negativo. Si bien es cierto que la cinta no es una obra maestra ni está entre lo más destacado de su director también lo es que se ha exagerado en las críticas, algo muy común con los grandes directores cuando no rubrican una obra maestra. El tiempo acaba poniendo todo en su lugar.

“Cosmopolis” es una película pura de Cronenberg, completamente personal y mucho más cerca de su universo, especialmente, visual, que su anterior y sobrevalorado trabajo “Un método peligroso”.

La transformación del hombre moderno, la autodestrucción, la pulsión interior de ese cambio, su manifestación física con autolesiones o pulsiones internas, los arrebatos incontrolados, su pérdida de humanidad y búsqueda de sensaciones para suplir esa falta de sentimientos, el morbo, el sexo, la muerte… son temas habituales del cine de Cronenberg, como he comentado en otras ocasiones, y que son plenamente reconocibles en esta cinta. Una cinta que a diferencia de su anterior trabajo, correcto pero no excelso, se muestra más visual que verbalmente. Además son reconocibles, dentro de la depuración de su estilo, una depuración y sobriedad a la que recurre a conveniencia, ecos a cintas anteriores, especialmente a la mencionada “Crash”.

Se intuye cierto piloto automático en esta adaptación de la novela homónima, y visionaria, del gran Don DeLillo, una novela que es un perfecto caldo de cultivo para que el director canadiense explore sus temas más personales e indague en su universo particular. Dos posmodernos con cosas en común, una novela que le va como anillo al dedo a Cronenberg, como le iba “Crash” de J. G. Ballard. Aquí el director no se muestra tan acertado como con su adaptación de la obra de Ballard, a la cual mejora incluso, pero cumple.

Eric Packer, interpretado magníficamente por Robert Pattinson, es un multimillonario que viste como los hombres de negro y al que se le antoja cortarse el pelo en una determinada peluquería que está al otro lado de la ciudad, un capricho que le cambiará la vida y ante el que no cederá a pesar de los disturbios que se suceden en las calles y los consejos de su jefe de seguridad de suspenderlo.

Cronenberg retrata un mundo burbuja, lo muestra visualmente desde la puesta en escena con cantidad de cristales, pantallas y una limusina ajena al entorno que le rodea. Este tipo de ideas visuales en el manejo de cristales y demás se está viendo mucho en el cine actual, como he comentado en alguna otra ocasión también. Además es fácil remitirse, por la temática de la cinta, a películas como “Margin Call” (J. C. Chandor, 2011) o el documental “Inside Job” (Charles Ferguson, 2010).

La película se inicia con grandes angulares que resaltan el entorno habitual en el que se mueve nuestro protagonista, planos de limusinas agigantadas y mucho aire a los lados de los actores en el interior de las mismas en los encuadres, resaltando así el lujo y minimizándolos en comparación con dicho entorno, como si estuvieran engullidos, placenteramente, por él. El uso de los cristales resalta su aislamiento, su enclaustramiento y encierro con respecto al resto de la gente.

Por la limusina irán pasando distintos empleados del bueno de Pattinson. El primero de ellos hará cierta referencia a la superioridad de los de su clase, algo que también vimos en “Margin Call”, como si fueran una especie distinta, y sobre cómo depende la sociedad de lo que ellos hacen.

Casi todas las relaciones y personajes que intervienen en la película y se entrevistan con Pattinson lo hacen en el interior de la limusina, salvo su mujer. Con su mujer se entrevistará siempre en otros lugares, pero nunca en su “lugar de trabajo”, la limusina, tan solo lo veremos en un taxi junto a ella para salir poco después. Dos de las tres veces que estos dos personajes hablan lo hacen en restaurantes, para comer, en la otra toman algo, siempre en bares o cafés. Su mujer, Elise Shifrin, interpretada por la guapa Sarah Gadon, resulta un personaje simbólico. Ella es perfecta, casi pura, bella, rubia, culta, la mujer ideal para el mundo ideal de Pattinson, pero por el contrario él, en su paulatino viaje impotente hacia su humanización, buscará mujeres mayores o no especialmente bellas, más humanas, como el personaje que interpreta Juliette Binoche (una amante) o el de la guardaespaldas negra (otra amante). Un amor desapasionado, gélido, frío, como los que veíamos en “Crash”, y con diálogos donde el bueno de Pattinson compara los pechos de su esposa con los de la madre de ésta. Ella parece completamente asexuada mientras él siente pulsiones internas que no puede contener. Insistirá siempre, impotente, en tener sexo con ella, idea esencial para remarcar su pureza e imagen de mujer perfecta.

La limusina estará repleta de pantallas, como he comentado. En relación a esto veremos a su segundo empleado, una especie de alter ego o escisión de sí mismo obsesionado con su tableta táctil donde mira índices, que se va alejando paulatinamente de él en el interior de la limusina, hasta situarse enfrente mientras hablan de las ratas como monedas de cambio, algo que irá teniendo su eco con posterioridad.

Robert Pattinson alcanzó la fama por su interpretación de Edward Cullen, el vampiro virgen de la saga “Crepúsculo”. Aquí interpreta a otra especie de vampiro, un muerto en vida, su mirada perdida, apática, completamente vacía, su falta de sentimientos, su ansia inconsciente de alcanzar la muerte, su frialdad, su carácter especial (es un visionario)… nos remite al mundo vampírico de alguna manera. Además se hará mención, en un tramo de la cinta, de forma insistente, a las edades de varios personajes, el de Juliette Binoche, el del alter ego mencionado de Pattinson, y del propio Pattinson, que en primera instancia ni siquiera contestará pero posteriormente “confesará” tener 28 años. Además de valerse de todos los de su alrededor y consumir con avaricia, es como la necesidad de sangre en el vampiro, él necesita comprar, consumir…consume porque puede. Reflexiones sobre el dinero, una adicción, sobre movilizarlo, usarlo, consumirlo sin sentido... es una necesidad casi fisiológica. Una adicción que, como todas, lo desnaturaliza como ser humano. Obsesión por la compra, por la venta, una vida que se crea y se consume en el gasto, la ganancia y la pérdida.

“El talento es más erótico si se malgasta”.

La tensión crece, las amenazas, pero todo sucede en el exterior, el interior sigue siendo un mundo burbuja, perfectamente confortable. Pattinson, Eric Packer, verá satisfecho un asesinato televisado, profundamente cruel, ni siente ni padece. Es lo grotesco, tan ligado a Cronenberg, surgiendo de una pantalla, coherente con respecto a su puesta en escena. También verá por su ventana a una mujer enseñándole una rata, algo que despierta una sutil sonrisa en Pattinson.

La tercera empleada, la deportista Jane Melman, interpretada por Emily Hampshire. Junto a ella Pattinson hablará de los tipos de interés chinos y la confirmación de la crisis, por eso la novela, que es de 2003, es bastante visionaria. Una escena donde también se sumará un doctor para realizarle el chequeo diario a Pattinson, momento en el que su mundo burbuja se hará aún más oscuro con los cristales tintados, que ya vimos en la escena de sexo junto a Juliette Binoche. El doctor palpará la próstata de Pattinson haciendo subir la tensión sexual con su empleada, otro elemento esperpéntico y perturbador y donde se unen el sexo y la muerte, la excitación de la situación y el miedo a la muerte manifestado por el rico hombre de negocios, causa por la que se hace esos chequeos diarios. Un chico aprensivo.

Cristales, ventanas, pantallas… una visión distorsionada de la vida, pero real al fin y al cabo. La soledad y la panorámica dentro del coche, el ejemplo perfecto de su aislamiento. En este momento veremos como Pattinson, a través de una ventanilla, ve a Paul Giamatti, que interpreta a Benno Levin, sacando dinero, un personaje que intenta matarle. Esto lo confirmará Pattinson en la escena final, que lo vio en este instante.

Este juego de ecos, como el referido a Paul Giamatti, se repetirá en otras ocasiones, por ejemplo con la guardaespaldas negra, a la cual veremos al lado del coche primero y luego sentada en la librería donde Pattinson se volverá a encontrar con su mujer. Estas apariciones de este personaje concluirán con una escena de sexo entre ambos. Pattinson tendrá sexo con otras mujeres, menos idealizadas, así calma su frustración de no poder estar con su mujer y se acerca de paso a un espejismo de humanización. En la mencionada librería, que comienza con el citado plano de la mujer negra, Cronenberg se marcará un largo travelling por sus pasillos, hasta encontrar a Elise, su esposa. El ansia, la búsqueda.

 

Por si fuera poco claro su aislamiento del mundo en esa limusina, Pattinson mencionará, en su almuerzo con su mujer, que su coche está insonorizado acústicamente, además de hablar de sexo, como es de suponer. El coche es, por tanto, una parte de sí mismo, la mencionada burbuja que le permite regodearse en su ego. Son muy habituales las conversaciones intrascendentes, las divagaciones o digresiones banales, conversaciones absurdas que ejemplifican a la perfección el mundo que rodea a Pattinson (el vacío, el absurdo…). Un ejemplo lo tenemos en la conversación sobre el corcho que se utiliza para aislar el sonido en los coches. En esta escena de la cafetería junto a su esposa volveremos a ver el tema de las ratas cuando dos activistas entren portando dos de esos animales muertos. Pattinson volverá a mostrar su satisfacción con una divertida sonrisa e impidiendo a su guardaespaldas intervenir. Su visión, con el tema de las ratas que mencionó a ese alter ego al inicio de la película, parece estar cumpliéndose. Como buen visionario.

Una nueva asesora entra en escena, Vija Kinsky, interpretada por Samantha Morton. En esta escena las pantallas cobrarán aún más importancia, de hecho esta nueva colaboradora se referirá a ellas como “la luz del cibercapitalismo”. En un momento de esta escena el personaje de Morton mirará tranquila y silenciosamente al exterior donde el caos, los disturbios, las peleas… las ratas… lo llenan todo.

 

Dedicada a Patricia L., dulce y simpática cinéfila. 

Lee aquí la Última Parte del análisis.