Crítica: EL PRISIONERO DE ZENDA (1937)

JOHN CROMWELL

La primera adaptación sonora de la obra de Anthony Hope, ya que antes había tenido 3 adaptaciones mudas, está dirigida por John Cromwell y es una de las películas más famosa del género de aventuras, un clásico de culto. Tiene encanto, frescura, ritmo y todos los elementos del género, además de algunas interesantes reflexiones.

Entre estas reflexiones tendríamos la que se hace acerca de la identidad, de su vinculación con la imagen, de la importancia de ésta en aquella, como la identidad acaba siendo definida por algo más profundo, una reflexión sobre el conflicto entre “imagen” y “fondo” con respecto a la identidad y la importancia de ambas.

Habla de grandes principios siendo un entretenimiento puro y duro, generosidad, sacrificio, amor, renuncia, deber, honor, entrega, todo con suma naturalidad.

Este aspecto, el de la naturalidad, es uno de los puntos fuertes de la película, eso y su frescura y ligereza. Se ve en todo, en la propia trama, en los rasgos de humor, las interpretaciones…

La fase de exposición es sumamente inverosímil, se excede en las coincidencias y hechos estrambóticos, y el espectador debe aceptarlos para disfrutar de toda la trama, evidentemente es un defecto, aunque al ser en la fase de planteamiento se acepta mejor. Con todo, su naturalidad la hace algo más creíble que el remake realizado en 1952 por Richard Thorpe.

John Cromwell es un magnífico artesano que nos ha regalado extraordinarias obras en distintos géneros, así tenemos las estupendas “Las aventuras de Tom Sawyer” 1930, “Cautivo del deseo” 1934, la famosa “El pequeño Lord” 1936, “Argel” 1938, “Sin remisión” 1950 o “Callejón sin salida” 1947. Hiciese lo que hiciese se mostraba competente. Un buen director. Aquí tiene uno de sus grandes éxitos en el género de aventuras, género que frecuentó más veces.

Producida por David O. Selznick, la película además de entretenida es un lujo visual, grandes decorados, castillos, lujosos salones, magnífico vestuario para adornar una trama con confusión de identidades, luchas a espada, manipulaciones, engaños… De todo un poco.

Protagonizada por Ronald Colman y Madeleine Carroll, no está en los protagonistas lo más destacado a nivel interpretativo, son los secundarios los que enriquecen con su naturalidad y ligereza la película, magníficos Douglas Fairbanks Jr. en su frivolidad, ligereza, cinismo y naturalidad, Raymond Massey, C. Aubrey Smith o David Niven, en los papeles de Rupert Hentzau, el duque de Strelsau, el coronel Zapt y el capitán Fritz von Tarlenheim respectivamente. Esto no significa que el dúo protagonista esté mal, especialmente Colman, pero sí algo por debajo de los secundarios. También mencionaré a Mary Astor en el papel de Antoinette de Mauban.

Por lo demás todos los aspectos técnicos están cuidadísimos, la puesta en escena de Cromwell es magnífica, de brillante frescura, con soluciones visuales tan acertadas que serían copiadas sin reparo alguno por el remake de 1952, y hace gala de un oficio y talento tremendos. La fotografía es verdaderamente notable y los decorados, ya mencionados, espectaculares.

Las escenas de acción son más limitadas de lo que lo serían en el remake de 1952 y Colman también está menos ágil que Stewart Granger, pero esto no desmerece un conjunto de frescura extraordinaria.

El personaje de Rudolf Rassendyll, es sin duda magnífico, se compromete cuando no tiene nada que ganar, y cuando encuentra algo (la chica), no se deja llevar por sus propios intereses, sino que es capaz de renunciar a ella, esta enseñanza la aplicará la princesa Flavia en la escena final, para anteponer su deber al amor.

Se disfruta desde el punto de vista de intriga, aventurero e incluso por su sentido del humor, quizá el tema romántico algo menos, aunque su triste final es también muy bueno. La parte final del film es lo mejor, desde el rescate al rey al romántico epílogo. 20 minutos finales realmente magníficos, una escena perfectamente estructurada donde todo funciona, ritmo, suspense, tensión creciente y clímax final.

Los mencionados decorados resaltan la magnificencia del entorno y se juega muy bien con ellos y la iluminación, así los bailes están muy iluminados y el castillo en su escena final está repleto de sombras, expresionista al máximo y con una arquitectura muy barroca. También está iluminado con marcados contrastes lumínicos el epílogo romántico de la pareja, con ella sumida en el negro incluso de su vestuario. Otro decorado siniestro es el de la bodega donde meten al príncipe dormido, siempre relacionados con “la maldad”. Los contrastes lumínicos y el vestuario también acentúan esto, estando los villanos a menudo vestidos de negro en ambientes más lúgubres, como el despacho del Duque de Strelsau y los “buenos” más iluminados y muchas veces vestidos de blanco como en la escena, que sigue a la del despacho del Duque de Strelsau mencionada, en el tren.

No se escatimaron medios para este clásico del cine de aventuras de todos los tiempos, un sano entretenimiento que no desagradará a ningún amante del género.

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